:::
Peras de Octubre ::: Peras de Octubre ::: Peras de Octubre ::: Peras de Octubre
::: Peras de Octubre :::
press
release ::: gacetilla de prensa ::: press release ::: gacetilla de prensa :::
press release
Presencia / Presente
Un recorte
caprichoso sobre la escena de Arte de
Acción en Córdoba
Vol.
XXIV de la Serie Open field /campo abiertO
Laboratorio de acciones
100 x Siento - año 2015
Indira Montoya * Lucrecia Requena * Ana Volonté * Manuel Molina
VIERNES 23 de Octubre 19:30hs > OBRAS INÉDITAS
SÁBADO 24 de Octubre 17:30hs > Conversatorio y
revisión de Trayectos
Como parte de la Serie Cuchillo de
Palo
CURADURÍA: Soledad Sánchez
Goldard
Texto Curatorial:
Presencia
/ Presente
Un recorte caprichoso sobre la escena
de Arte de Acción en Córdoba
Los artistas y su deseo es lo que
mantiene en pleno dinamismo a la escena de performance
a nivel mundial. Somos los artistas los que generamos un sinfín de encuentros,
charlas, diálogos y cruces, Córdoba es una provincia con un gran flujo de
proyectos vinculados a la performance, por
ejemplo Réquiem para Cabaret Voltaire, Festival Performatear, Festival Habeas
Corpus, Aún sin título, entre otros.
Desde Aún sin título busco generar un
espacio de experimentación, de mantener vital la idea de fluidez, de
corrimiento y de no límites en el arte de acción, por este motivo el proyecto
suele mostrar artistas vinculados a
otras disciplinas que están abordando la acción y generando tensión en
esos supuestos límites colocados por las definiciones.
Presencia / Presente, curaduría
pensada para Peras de Olmo convoca a artistas de Córdoba que tienen un trayecto
en esta línea, con un rico proceso de trabajo e indagación en temáticas ligadas
a su universo individual y profesional.
La persistencia es uno de los puntos
de encuentro en estos cuatro artistas, el insisitir, el profundizar, el
atravesar sus propios límites y la transformación de la acción en una energía
pura, persistente y proyectable como un az a la velocidad de la luz.
No quiero agregar palabras a lo que
debe ser experimentado, vivido a flor de piel, ya que la acción es eso,
acontecimiento puro por el cual hay que dejarse ser atravesado y he sido
flechada, transformada y emocionada por
los trabajos de estos cuatro.
Soledad Sánchez Goldar
Organizadora de Aún sin título.
*
Foto en Poster: Ana Volonté “Exorcismo alérgico en el Chavascate”. Registro fotográfico de María
Pérez. Agosto 2013. Agua de Oro.
NOTAS de trabajo
y biografías breves de los artistas:
INDIRA MONTOYA
" Formas de medir la
distancia VI: Tiempo y materia de los tácitos”
Performance duracional
Despedirse. Saludar con la mano. Con la vista. Tocar
el cuerpo que se va. Tocarlo hasta que la mano pueda guardar una huella
mimética de lo que no persiste.
No alcanza.
Entre yo y aquello que pareciera otra cosa - un amor -
hay un todo entero e impenetrable.
Algunos cuerpos muestran el final de su tiempo
abarrotados de sí y de todo lo que pudieron.
Insistir mientras la mano guarda la huella mimética de
lo que se va; mirar lo vivo porque amamos lo vivo y amamos el recuerdo de lo
vivo.
Porque la materia del recuerdo es la porosidad de los
cuerpos al sol y la mano, aunque sea por un segundo, penetra todo y alcanza
todo.
Me he preguntado hoy cómo es que otros pueden amar lo
lejano.
Entre yo y aquello, el aire y el verano como la
promesa de todo lo que siempre quisimos: el río, la montaña, los pájaros.
Indira Montoya
Artista plástica - Performer - Licenciada en
comunicación Audiovisual de la Universidad Blas Pascal. Profesora de Literatura
y Cine en Universidad Blas Pascal. Directora de hipermedula.org.
Doctoranda en Doctorado en Artes U.N.C. Formada con diversos maestros en
talleres y clínicas de arte: Soledad Sanchez Goldar, Lucas di Pascuale, Remo
Bianchedi, Aníbal Buede, Fabhio di Camozzi, Daniel Fischer, Cipriano Argüello
Pitt, Gabriela Halac, Fran Illich. Participó como videoartista en la obra
Dos Hermanos, premiada por Iberescena, dirigida por Cipriano Argüello Pitt.
Participó en la obra El Arca de Noemí, dirigida por Cipriano Argüello Pitt. Ha
participado en ciclos y festivales de performance entre los que se destacan
Requiem para el Cabaret Voltaire coordinado por Paula Páez, Aún Sin Título
coordinado por Soledad Sánchez Goldar. Ha realizado trabajos de performance en
Museo de las Mujeres (mumu), La Cúpula galería de arte, Casa Taller,
Castañino-Macro (rosario) Documenta Escénicas, entre otros. En el 2015
obtiene la beca del Fondo Nacional de las Artes para el taller de Producción y
Pensamiento.
“Formas de medir la distancia II: Hemisferios
terrestres y otros”. Junio 2015. Indira Montoya.
“Pienso mi práctica artística como una resistencia obstinada a la
fragilidad y la desmaterialización inexorable de los cuerpos y de todas las
cosas. En mi trabajo abordo siempre la idea de distancia: afectiva, física,
sexual, amorosa. Cómo se mide, con qué unidades, cómo se representa, se
encripta y se habita en el propio cuerpo.
En mis procesos hay dos ejes principales: la performance y el libro
objeto. Desde ahí parto hacia otros soportes como la danza, la música, la
escritura y las artes visuales. Los libros funcionan como archivo y
acumulación: es a partir de ellos (libros de mapas, de partituras, de dibujos)
que condenso mi trabajo. En esa escritura/lectura de mí y de mis otros aparece
lo vivo, lo biográfico, el deseo, y las líneas que conducen mi obrar.
Entiendo el cuerpo en performance como un compañero de resistencia: la
resistencia física y emocional que con el tiempo van creando nuevos
ámbitos de pensamiento en torno al sujeto, a lo íntimo, al surco que aparece
como el borde último de lo que se soporta pero también que es un borde móvil al
que se puede siempre empujar un poco más. La performance es para mi una de las
cosas que unen casi místicamente dos cuerpos, lo mismo que el sexo, el nacimiento
o el humo. Por eso lejos de verla como disrruptiva - aunque reconozco sus
efectos - la entiendo como una intensificación de la vida y una forma de forzar
la lectura de nuestro discurso más íntimo en tanto que discurso político.
"Formas
de medir la distancia I: Segmentos de lejos". Noviembre 2014. Indira Montoya.
LUCRECIA REQUENA
Persistir en permanencia.
¿Y cuando nosotras ya no estemos?
Nadie va a saber quién era ese hombre en las fotos.
Porque, quien se acuerda de esa gente?
Desaparecemos.
Nadie va a saber quién era ese hombre en las fotos.
Porque, quien se acuerda de esa gente?
Desaparecemos.
“Vertiente.”
Sebastián Huber y Luciana Sastre.
Sebastián Huber y Luciana Sastre.
Durante los últimos dos años me
encuentro interesada en el relato ajeno, en función a las maneras en que
construimos nuestras existencias, y modos de vivir, en relación directa con la
idea de la persistencia, activada y en actualización constante. Hasta ahora han sido materia prima para la
producción poética de ciertas piezas performáticas, pero actualmente quiero
radicalizar algunos aspectos, así transformar este proceso concretamente en
estrategias de relación y contacto intersubjetivos. El modo es el relato personal y la
construcción del mismo ligado a temas existenciales, que comprendan pensarnos como sujetos a travesados
por una existencia, y por consecuente, cómo nuestras estructuras mentales y
culturales nos arriman a rituales de permanencia.
Los trabajos que están enraizados
desde este planteo son “El Ahora Consumado”, pieza realizada en el año 2013
para el Ciclo de performance Aun Sin Título, en donde trabaje a partir de
diálogos con diferentes personas.
Realizado, en formato de
entrevistas, a un número de siete interlocutores que respondían a dos
preguntas: ¿Qué no dejarías de hacer antes de morir? Y ¿Qué harías si supieras
que faltan 50 min para el final? Las mismas fueron dirigidas a personas de mi
entorno personal, familia, amigos, pareja; articuladas en encuentros en sus
casas en donde tomaba registros en video de la conversación. Posteriormente los
videos fueron proyectados en una instancia en vivo donde inmediatamente, luego
de la reproducción, se invitaba a los presentes a compartir una comida y hablar
sobre la noción de muerte.
Este año, mi último trabajo “Un
deseo: seguir narrándonos”, comprendió la misma base, trabajar a partir del
encuentro y la entrevista como método de relación y registro. Esta vez fue
dirigida a 5 interlocutores, los cuales
no los conocía pero todos estaban relacionados al mundo del arte escénico.
Trabajo adicional fue generar un encuentro, en el cual pudiera ingresar en la
sensibilidad del otro con eficiencia, y no quedar a mitad de camino con una burda invasión
personal. En este caso el punto de vínculo era preguntarles, entre otras cosas,
que recuerdo elegían recordar, contar, y apremiar con fines de permanencia. Los
encuentros fueron realizados en sus casas
o en un lugar a elección de ellos. “Un deseo: Seguir Narrándonos” fue
llevada a cabo en la Ciudad de Buenos Aires, por lo cual yo “extranjera”, de
otra provincia, de otra ciudad, del interior, me convertí en una especie de
turista de esas personas, armando mi propio relato en paralelo a los suyos y construyendo un mapa de recorrido, regido por las coordenadas de cada encuentro.
Esta nueva experiencia,
“Persistir en permanencia”, pretende
seguir insistiendo en esta cuestión tomando como punto de partida el material
reunido en estas dos obras mencionadas, “ El Ahora Consumado” y “Un dese:
Seguir narrándonos”. En este caso, decidí transcribir los relatos en texto
escrito, tratando de ser lo más certera con las palabras que usa el
interlocutor, las formas de decir, las pausas, entre otros gestos de la
comunicación verbal. Los textos
transcriptos llegan a manos de diferentes personas quienes deberán activarlos
nuevamente, reproductores de relatos ajenos, como lectores, interpretes, nuevos
emisores.
El material reunido, tanto videos
de los relatos, los textos referidos a ello, como también el registro sobre sus nuevas lectura,
interpretaciones y emisiones, serán
llevados a la residencia con el afán de compartirlos en la muestra. También la
idea es tomar los textos y reproducirlos, además de que otros puedan
interactuar con los mismos.
“El Final - Pieza nro 6 del
Ciclo Desmenuzado” Noviembre 2012 -
CePIA-UNC Centro de Producción e Investigación en Artes. Fotografía por Julio
Paiva. Lucrecia Requena.
“Me interesa anclarme, desde el lenguaje
de la performance, en la idea de cuerpo como archivo, es decir, un cuerpo
constituido por estados y atravesado por experiencias, sensibilidades,
singularidades, determinadas por la propia forma de conectar con la vida.
Partiendo de esta noción me interesa generar piezas pensadas como
acontecimientos o situaciones, estrategias de encuentro e intercambio, en donde
el eje central sea el relato personal. De esta manera el material
principal es lo evocado a partir de la experiencia vital.
Este interés es parte de una reciente, y
vigente exploración donde existe una curiosidad particular en recabar sobre la
memoria activa, autorreferencial y ajena. Para ello los últimos trabajos parten
de entrevistas, resultantes de encuentros y acercamientos con un “otro
relator”. Pensar el vínculo que se generará con ese “otro extranjero”, es clave
para lograr contar con su narración, conservando la mayor sensibilidad
que se encuentra en ello.
Las condiciones para el acontecimiento
están articuladas desde estrategias de interacción e intercambio, ya sea entre
invitados específicos y, fundamentalmente, entre el /los observador/es que se
acercan y se convierten en participantes de la situación instituida,
aquellos activadores de toda la “maquinaria”. Así, con el afán de que en
mayor medida prevalezca, los posibles contactos resultantes del material
autobiografico, relegando o diluyendo la presencia de un “performer” como
centro, y así ponderando, tanto el relato, como aquello que sucede,
consecuencia de estas estrategias de interacción.
Considero
que actualmente las premisas principales de mis trabajos e indagaciones son: el
acontecimiento, cuerpo como archivo, un otro significativo, estrategias de
interacción, el relato, la palabra y el decir.”
Lucrecia
Requena
Lucrecia Requena, artista nacida en Córdoba en
el año 1991. Desde el año 2009 realiza sus estudios en la Carrera de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la UNC. Del año 2011 en adelante realiza
indagaciones sobre el lenguaje de la performance y desde allí enfoca su
producción artística. Durante estos años ha tenido numerosas participaciones,
en festivales, ciclos y proyectos locales relacionados a la performance.
Algunos: Festival Latinoamericano de Performance Nómades,
coordinado y gestionado por Soledad Sánchez Goldar, Celeste Sánchez Goldar,
Luis Eduardo Martínez y Santiago Cao; Ciclo Aun Sin Título proyecto producido, gestionado y
coordinado por Soledad Sánchez Goldar en el teatro Documenta/Escénicas; Huvaiti
(Salir al encuentro) residencia
para artistas en la Ciudad de las Artes, un proyecto ideado, coordinado y
gestionado por Soledad Sanchez Goldar y Dante Área Ricciardi; entre otros. Ha obtenido experiencias de formación e instancias de muestra en Buenos Aires y Uruguay.
Desde el año 2014, gestiona, coordina y produce Espacio Performance - Plataforma de producción e intercambio, en la que se desarrolla un Taller/Laboratorio, el Ciclo de Performance “De ACCIONes y RE-ACCIONes” y el Festival PerFormance. También realiza tareas curatoriales en Artistas A la Parrilla/En Vidriera, espacio de exposición. Ambos proyectos radicados en el Centro Cultural España Córdoba.
ANA VOLONTÉ
-"Vanitas"
Armo la
composición para una vanitas y la completo conmigo misma y una tarta de
frutas.
videoperformance. Videoperformance.
Mayo 2014.
Armo la composición
para una vanitas y la completo conmigo misma y una tarta de
frutas.
videoperformance. Videoperformance.
Mayo 2014
Artista de corazón, archivera de profesión. Mi trabajo no tiene por qué
ser interpretado más que visto. Creo en el lenguaje visual como una herramienta
necesaria y suficiente. Ver es abrir. Abrir es sentir. Sentir es decir. Y
vuelve. Un, dos, tres, cua.
Mi formación es diversa e incompleta. Llevo una obra autodidacta y de
oficio. Dialogo con mi entorno cotidiano. Intercambiamos lenguajes e intento
traducirlos. Me interesa incorporar lo aprendido de un modo orgánico y sexy y
hacer del tiempo algo real o editado.
Trabajo con acciones y acciono en mi trabajo. También dibujo, saco
fotos, escribo. Actualmente investigo la repostería, la floristería como
vestigios de mi experiencia en Agua de Oro y en relación a la memoria emocional
y al Chavascate. Reciente y nuevamente coqueteo con la danza porque me habla de
la ciudad. Yo la escucho, porque donde hubo fuego, cenizas quedan.
“Siesta” acción sobre el río
Chavascate, otoño de 2014. Registro fotográfico: Soledad Sanchez Goldar. Ana Volonté.
Ana
Volonté
Nací en Buchardo en enero de 1984.
Estudié artes en Córdoba. Desde 2003 trabajo como artista, entre otras tantas
cosas. Formé parte de Arreboles de Mequetrefe, espacio contenedor. Desde esa
época hasta la actualidad estudié diseño de modas, peluquería, archivología y
repostería; todas disciplinas transversales en mi obra. Trabajo
fundamentalmente con performance, fotografía, video y dibujo. Llevo “cuadernos
de backup” desde 2006 como un modo de ordenar las ideas y documentar los
procesos. En mi trabajo, el oficio, el entorno y el cuerpo ocupan un lugar
fundamental. Los incorporo para bocetar y componer imágenes y acciones
simbólicas.
"Vanitas". videoperformance. Mayo 2014, fotograma. Ana Volonté.
MANUEL MOLINA
El arte siempre ha
sido entretenimiento.
Breve descripción del trabajo
Popstar es un programa de videoperformance que forma parte
de un proyecto de trabajo más amplio, artístico/teórico, dado en llamar
«Investigaciones adornianas». En Popstar
específicamente se pretende abrir un horizonte de contacto, análisis y
exploración mimética con producciones típicamente industrializadas y orientadas
al entretenimiento masivo, esto es, con los productos de la industria cultural,
cuyo flujo más caudaloso sigue siendo desde Estados Unidos para el mundo.
Estratégicamente se busca sostener un gesto mimético respecto de fragmentos de coreografías registradas en
video de una de las más reconocidas cantautoras y bailarinas pop norteamericanas:
Beyoncé Knowles. Los videos aquí presentados constituyen un proceso poético de
(re)producción- de fagocitosis y antropofagia cultural, no sólo porque se busca
en el mismo movimiento comprender (masticar, digerir) la estructura de la vieja
cultura (música, danza, imagen) ya convertida hoy en entretenimiento
cosificado, estandarizado y masivo (hits, videoclips, shows, world tours,
etc.), sino también porque se busca transformar lo general en particular, y dar
lugar (nutrir, alimentar) a la diferencia mínima, a lo distinto en lo mismo.
Manuel
Molina
Manuel Molina (Córdoba, 1988) es artista
visual, docente e investigador. Es egresado como Licenciado en Pintura y
doctorando del Doc. en Artes Visuales, de la Facultad de Artes de la
Universidad Nacional de Córdoba. Gestiona y participa en muestras grupales e
individuales en Córdoba y Buenos Aires. Es investigador por CONICET y expone en
diversos eventos científicos y artísticos. Actualmente trabaja en Investigaciones adornianas, un trabajo
artístico multiforme sobre las paradojas del arte contemporáneo.
Manuel Molina.
EVENTOS ÚNICOS
VIERNES 23 de Octubre 19:30hs > OBRAS INÉDITAS
EVENTOS GRATUITOS * Capacidad limitada / Conversatorio como parte
de:
SÁBADO 24 de Octubre 17:30hs > Conversatorio y revisión de Trayectos
Como parte de la Serie Cuchillo de Palo
TODOS
los EVENTOS son en Peras de Olmo – Ars Continua
© Peras de Olmo – Ars Continua 2015
Niceto Vega 4678 CABA, /entre Malabia y Scalabrini Ortiz
* AGRADECEMOS la DIFUSIÓN *
No hay comentarios.:
Publicar un comentario