viernes, 8 de noviembre de 2019

S O L pleno – lo lejano y lo central ::: Open field / XLIX > > Miri Hamada * Daisuke Takeya *



::: Peras de Diciembre ::: December Pears ::: Peras Diciembre ::: December Pears ::: 
press release ::: gacetilla de prensa ::: press release ::: gacetilla de prensa 

 S O L pleno - lo lejano y lo central

Miri Hamada * Daisuke Takeya * 

Vol. XLIX de la Serie   Open field / campo abiertO
Laboratorio de acciones 100 x Siento - año 2019

Curaduría: Graciela Ovejero Postigo

SÁBADO 7 de Diciembre 20:00hs Obra/s + Conversa informal
BRINDIS 



S O L  pleno - lo lejano y lo central 

Presentación curatorial 
Soy consciente de haberme permitido el simplismo inicial de aceptar la pregnante estructura visual con la que se identifica al Japón como nación, para además de señalar un lugar en el mundo, que es el lugar donde lxs artistas de este volumen han nacido y crecido sus infancias y tempranas juventudes, permitió al automatismo asociativo siluetear un símbolo que como imagen minimalista, dispone una fórmula rotunda, a la vez cerrada y abierta. La unidad del círculo, del color único y primario sobre el blanco como ausencia, desierto y amplitud, imponen una plenitud que en su definitiva afirmación, también encandila generando una experiencia de embudo inverso en el que la amplitud lo disuelve todo. Está claro que en las narrativas occidentales sobre “el mundo”, hasta antes del subrayado acontecimiento de 1492 como el de la llegada de Colón a lo que llamamos América, Japón era el límite del mundo conocido y se la imaginó como la tierra del sol naciente. De alguna maneraaundesde Sudamérica,donde nuestros ancestrxs han adorado al sol como fundamentalmente asociado a la viday a la integralidad, a pesar de la disolución de las distancias visuales y auditivas por las tecnologías de la comunicación, seguimos teniendo esa noción de gran lejanía y de encontrarnos en el lado opuesto de nuestra esfera planetaria, y del tiempo que demarca el trayecto de la tierra alrededor del sol.  

Al pensar en la performance como un arte presencial de la singularidad física y biográfica, como una cierta centralidad dispuesta a abrirse o disgregarse en la acción, la idea de lo lejano y central ofrecía un sugerente paralelo. En una segunda reflexión, lo pleno--del círculo rojo como perfectamente simétrico-- y nuevamente,lo lejano y lo centralconjuran una ficción afirmativa casi opuesta a conocidos valores fundamentales desarrollados por la voluntad estética y sensibilidad en la cultura japonesa como ser la irregularidad, la sencillez y lo efímero

Con todo esto apuntado, y desmarcándonos de insostenibles expectativas folkloristas o totalizadoras, queda además expresamente establecido en conversaciones con Miri HamadaDaisuke Takeya un consciente afán de des-identificarse con tipificaciones sobre la identidad nacional, precisamente en función de su compromiso con la práctica artísticay sentido de apertura del propio ser, que paradójicamente en la búsqueda poética de lo vital y sensiblemente inconcluso, vuelve a acariciar valores destilados de su particular lejanía temporal colectiva.

Graciela Ovejero Postigo ©Noviembre 2019 


ENGLISH

full S U N - the far and the central
Curatorial presentation
I am aware that I have allowed myself the initial simplicity of accepting the stunning visual structure that identifies Japan as a nation, since in addition to pointing out a place in the world, which is the place where the artists of this volume have been born and lived their childhoods and early youth, the associative automatism permitted silhouetting a symbol that as a minimalist image, offers a resounding formula, both enclosed and open at the same time. The unity of the circle, of the unique and primary color on the white as absence, desert and amplitude, impose a fullness that in its definitive affirmation,  also dazzles generating an inverse funnel experience in which the amplitude dissolves everything. It is clear that in Western narratives about "the world," even before the underlined occurrences of 1492 with the arrival of Columbus to what we call America, Japan was the limit of the known world and imagined as the land of the rising sun. In some ways, yet from South America where our ancestors have worshiped the sun as fundamentally associated with life and togetherness, in spite of the dissolution of visual and auditory distances by communication technologies, we continue to have that notion of great remoteness and the sense of being on the opposite side of our planetary sphere, and of time as demarcated by  the path of the earth around the sun.

When thinking of performance as a presence-based art of physical and biographical singularity, as a centrality of sorts willing to open or disintegrate in action, the idea of ​​the distant and central offered a suggestive parallel. In a second reflection, the full- of the red circle as perfectly symmetrical - and again,  the distant and the central,conjure an affirmative fiction almost opposite to known fundamental values ​​developed by the aesthetic will and sensitivity in Japanese culture such as irregularity, simplicity and the ephemeral

With all this pointed out, and clearing us of unsustainable folkloric or totalizing expectations, it is also expressly established in conversations with Miri Hamada and Daisuke Takeya their conscious desire to de-identify themselves with national identity typologies, precisely based on their commitment to artistic practice and sense of self openness, which paradoxically in the poetic search for the vital and sensibly unfinished, once again caresses distilled values ​​of their particular collective temporal remoteness.

Graciela Ovejero Postigo ©Noviembre 2019 


BIOGRAFÍAS y CONCEPTOS de lxs ARTISTAS

MIRI HAMADA 


Miri HamadaNació en Kochi, Japón. Vive y trabaja en Tokio y México.
Educación: 2015 BFA, Musashino Art University, Tokio, donde estudió pintura al óleo. Hasta 2016 tenía su sede en Tokio, y ahora vive en la Ciudad de México donde realiza estudios de performance.

“Incluso en diferentes entornos y culturas, lo que estoy tratando de revelar a través del cuerpo y algunos objetos siempre les recuerda a las personas los sentidos del mundo percibido, como cuando toca el suelo por primera vez. A través de un tiempo lento que fluye entre presentaciones cortas y una acción trivial, el público no bailará, estará emocionado de hundirse en la silla ".

Presentaciones de Performance
2018: 23th Nippon International Performance Art Festival, 3331 Arts Chiyoda, Tokyo, Japón. 
2016: 21th Nippon International Performance Art Festival, 3331 Arts Chiyoda, Tokyo, Japón. 
NIPAF ASIA WS IN:ACT 2017 - Nha San Collective & The Factory Contemporary Arts Centre, Hanoi, Ho chi min, Vietnam.  Doubutsuen Vol1, Vol3 – Yoyogi Park, Tokyo, Japan Vol.5 - Kamo River, Kyoto.
2014: Performance Art Workshop- Depart, Dhaka, Bangladesh.
International Live Performance Art – Bindu a space for Artists, Nepal, Kathmandu
17th Nippon International Performance Art Festival ASIA, Tokyo, Japón.
20th Nippon International Performance Art Festival -Tokyo-Osaka-Nagano Japón.
Kolkata International Performance Art Festival , Kolkata, India.
  
Muestra Individual: “Hamada Miri” -garandu gallery, Musashino Art University, Tokyo, Japón ---curada por Ura Ayaka. 2014. 

Muestras Grupales:
2016: “OOQO /  the continent, and YAGI” - Koganei Art Spot Chateau & Space Wunderkummer
seaside poolside - Inage sea side park pool, Chiba, Japón.
2015:  “Selected works from Degree show” - Musashino Art University Museum, Tokyo, Japón.
“sonna me de miru” model room , Tokyo, Japón.
2014:  “April 2014 to November 2014” - Musashino Art University,Tokyo, Japón. 

Trabajos como organizadora y editora:
2018: Burro Press Japan tour co-organize with Ryoko Ami, Ryutraro Arakawa. BIWA - Live performance & Talk - Subterenian,Tokyo, Japón.  2015: “Meconopsis charity live and performance for earthquake in Nepal”- Ruby Room, Tokyo, Japón. Performance and video festival ,Merry cultureday! Here is Ohyama – Subterenian, Tokyo, Japón. 2014: Artist talk Nguyen Phuong Linh - Musashino Art University, Tokyo, Japón. 
2014: Charla de Artista y Catalogo de  Nguyen Phuong Linh (Inglés & Japonés) 
(The number of copies of this special edition book is limited to 70.) 

Premios y reconocimientos: 
2015: Premio a la excelencia de trabajos de grado - Musashino Art University, Tokyo, Japón.
Miri Hamada ha sido becaria del Programa de Cooperación para la Formación de Recursos Humanos en la asociación estratégica global entre México-Japón 2018.


M.H._”Pienso en un cuerpo neutral para irradiar género, el cuerpo como objeto, un objeto similar a un cuerpo, y un elemento natural que no puedeser completamente intencionadocomo la gravedad,o el agua que gotea para siempre. Además, mis acciones son entre poesía y narrativa, y el público encuentra continuidad allí sin mostrarlo claramente. Mi objetivo es ver el rango de resultados y el potencial de la imaginación. Puedo abandonar deliberadamente el contexto delterritorio. Es un intento de traicionar lo que se espera cuando se presenta en el extranjero, o busca adquirir la universalidad. ¿Hasta qué punto no podemos referirnos directamente a Japón, aparte de las discusiones y las historias culturales? Creo que el trabajo también es traslacional como las palabras.”

ENGLISH

M.H._“I think about a neutral body to irradiate gender, a body as object, a body-like object, and a natural provident that cannot be fully intended such as gravity, or water dripping forever.  Also, my actions are between poetry and narrative, and the audience finds continuity there without showing it clearly.  My goal is to see the range of results and the potential of imagination.  I may deliberately leave the context of the land.  It is an attempt to betray what is expected when it is presented overseas, or it seeks to acquire universality.  To what extent can we not directly refer to Japan, apart from discussions and cultural stories?  I think the work is also translational like words.”  




DAISUKE TAKEYA


Daisuke Takeya es un artista interdisciplinario con sede en Toronto-Tokio, y frecuentemente curador, coleccionista, educador de arte y defensor de la comunidad. La praxis de Takeya hace foco en la exploración de la naturaleza y lo plausible en la sociedad contemporánea, y admite todo tipo de doble sentido.


“Combinando los campos de la pintura, escultura e instalación, mi trabajo enfatiza el proceso en términos de creatividad, producción y colaboración, e intenta abordar una comprensión del contexto y el entorno. Su característica principal es que veo la producción como un proceso para situarme en un lugar particular y luego comprenderlo.”

Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas a nivel internacional, incluidas exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo de Toronto; la Japan Foundation/ Fundación de Japón en Toronto; Scotia Bank Nuit Blanche, Toronto; Galería SVA, Nueva York, Estados Unidos; Wagner College Gallery, Nueva York, Estados Unidos; el Museo de Arte Contemporáneo Chongqing Changjiang, China. 

Takeya ha exhibido su trabajo en todo Japón, incluso en la Bienal de Arte Contemporáneo de Fukushima; el Programa de Arte Saison, Museo de Arte Moderno de Saison, Tokio; Roppongi Art Night, Tokio; y la Galería Prince Takamado, Embajada de Canadá, Tokio. Es el representante y curador de Field Trip Project / Field Trip Project Asia, POWER TO THE PEOPLE, Fukushima NO ALICE, Multi Layered Surfaces y DAICHI Projects. 

En 2018, Takeya participó en la Bienal de Yamagata, Yamagata, Japón; Festival de escritores y lectores de Ubud, Bali, Indonesia; SIPAF (Festival de Arte de Solidaridad en la Paz), Manila, Filipinas; PLATAFORMA CERO: FESTIVAL DE ARTE DE PERFORMANCE 2018 (Myanmar); Canon New Cosmos of Photography 2018 (Ganador del Premio Mención de Honor), Museo de Fotografía de Tokio; y dirigió la inauguración de Responding: International Performance Art Festival and Meeting. 


DT_Actualmente estoy interesado eninvestigar la especificidad desitio en relación al arte de performance. ¿Se realizaría unamisma obra de arte de la misma manera en diferentes continentes, tiempos, contextos, etc.? El trabajo, por supuesto, tendrá diferentes significados, pero ¿cómo?  Más específicamente, durante este añohe estado creando "monumento" como una serie de obras. Pequeñas historias de experiencia vivida trabajando como "proto-monumento", algo que aún no se ha incorporado, o en algunos casos pueden abandonarlas narraciones dominantes de la memoria comunitaria representadas en Monumentocon mayúscula.” 


ENGLISH

DT_I am currently interested in investigating site-specificity inperformance art. Would the same artwork be performed the same way over different continents, time, contexts, etc? The work then will of course have different meanings, yet how so? More specifically I have been creating “monument” as artwork this year. Small histories of lived experience working as “proto-monument,” which has not yet been incorporated into, or in some instances may drop out of, dominant narratives of communal memory represented in capital-letter-Monument.










jueves, 7 de noviembre de 2019

AIRE delgado – thin AIR ::: Open field / XLVIII > > Katiushka Loyola *Valentina Molina * Alexander del Re *


::: Peras de Noviembre ::: November Pears ::: Peras Noviembre ::: Novembe Pears ::: 
press release ::: gacetilla de prensa ::: press release ::: gacetilla de prensa 

AIRE delgado – thin AIR
artistas visitantes

Katiushka Loyola *Valentina Molina * 
Alexander del Re * 

lamentamos comunicar que la artista  Ilka Theurich 
 no pudo viajar en ésta ocasión por razones de salud (Nov.19)

Vol. XLVIII de la Serie   Open field / campo abiertO
Laboratorio de acciones 100 x Siento - año 2019

Curaduría: Graciela Ovejero Postigo
(en coordinación con PerfoLink)

SÁBADO 30 de Noviembre 19:30hs>Obra/s + Conversa informal
BRINDIS 


AIRE delgado – thin AIR
                                
¿Que puede ser más delgado que el aire? La nada, el misterio mismo, nuestra expectativa limitada a lo familiar, a lo que define nuestras necesidades, lo identificado y codificado, nuestro des-conocimiento funcional, nuestras certezas(¿?). El aire que envuelve al mundo es la exterioridad máxima inmediata de su materialidad, una materialidad de menor densidad a simple percepción. Más allá de lo sólido y lo líquido, lo gaseoso es materia compuesta por moléculas expandidas, con poca fuerza de atracción, disgregadas, sin volumen o forma estable, sus moléculas errantes se mueven hasta el límite que imponga el encuentro con otras agregaciones más densas que las detengan. 

La expresión “thin air”en la lengua inglesa se asocia al límite de nuestra percepción del mundo material, precisamente para denotar desaparición o aparición súbita, inesperada, de algo o alguien. También, si el aire, que es lo menos denso se torna o califica como ‘aire delgado’, quiere decir que algo inesperado, sorprendente o desestabilizante es inminente. Recientes y continuos eventos de expresión colectiva en masiva oposición al estado de cosas en diversos países latinoamericanos, asiáticos, del medio oriente etc parecen señalar que lo excepcional se ha convertido en generalidad, que el malestar y ahogo social ante los excesos del capitalismo neoliberal y corruptibilidad de los sistemas democráticos, asume condiciones particulares pero es esencialmente global.  

El conjunto de protagonistas de este volumen reúne tres artistas que llegan de un Chile movilizado como nunca en décadas, reclamando cambios fundamentales y formas de democracia directa, artistas conscientes de la dimensión política de su accionar como tales, y una artista alemana que reflexiona ante las dificultades de estos tiempos y los legados particulares que condicionan cómo miramos al mundo y al “otro” culturalmente hablando, proponiéndose agudizar en su auto-observación y cuestionar los síntomas de su propio eurocentrismo, afirmando el rol de lxs artistas en la generación de diálogos y entendimientos.   

Si el aire ya era lo menos denso, ahora se ha vuelto delgado y la atmósfera parece cobrar una notable y expansiva voracidad simbólica.

Graciela Ovejero Postigo ©Octubre 2019 
ENGLISH

What can be thinner than air? Nothingness, mystery itself, our expectation limited to the familiar, to what defines our needs, the identified and codified, our functional ignorance, our certainties (?). The air that surrounds the world is the maximum immediate exteriority of its materiality, a materiality of lower density to simple perception. Beyond the solid and the liquid, the gaseous is matter composed of expanded molecules, with little force of attraction, disintegrated, without volume or stable form, their wandering molecules move to the limit imposed by the encounter with other denser aggregations that stop them.

The term "thin air" in the English language is associated with the limit of our perception of the material world, precisely to denote sudden or unexpected disappearance or appearance of something or someone. Also, if the air, which is the least dense becomes or qualifies as ‘thin air ’, it means that something unexpected, surprising or destabilizing is imminent. Recent and continuous events of collective expression in massive opposition to the state of affairs in various Latin American, Asian, Middle Eastern countries etc. seem to indicate that the exceptional has become general, that social unrest and suffocation in the face of the excesses of neoliberal capitalism and corruptibility of democratic systems, assumes particular conditions but is essentially global.

The group of protagonists of this volume its composed ofthree artists who arrive from a Chile mobilized as never before in decades, demanding fundamental changes and forms of direct democracy, artists aware of the political dimension of their actions as such, and a German artist who reflects on the difficulties of these times and the particular legacies that condition how we look at the world and the “other” culturally speaking, intending to sharpen her self-observation and question the symptoms of her own eurocentrism, affirming the role of artists in the generation of dialogues and understandings.

If the air was already the least dense, it has now become thin and the atmosphere seems to take on a remarkable and expansive symbolic voracity.

Graciela Ovejero Postigo © October 2019


 BIOGRAFÍAS y CONCEPTOS de lxs ARTISTAS

KATIUSHKA LOYOLA 

(Chile,1990) Licenciada en artes de la Universidad de Playa Ancha ,Valparaiso,Chile.Dedicada a expresar la relación entre Artes, filosofía y Ciencias, desde materialidades cotidianas y acciones gráficas como el dibujar. Parte importante de los conceptos y temáticas utilizadas en sus performances expresan la complejidad y simplicidad de nuestra cognición. Ha participado en talleres de performance impartidos por Alexander del Re, Hector Canoge, Nancy Gwewolf y en el festival connection europa del año 2017. 
Festivales y muestras 
2019 Febrero, Artista invitada a Muestra ejercicios de identidad , EL GALÓN ESPACIO, Pueblo Libre, Lima, Perú. 2018 Noviembre,artista invitada a Insekula performance ,Espacio Ailanto, Barrio yungay , Santiago,Chile. 2018 Septiembre, Participa junto a otros artista en el Festival Internacional de Performance Equinox, Algarrobo,Chile. 2018 Participante del conversatorio en el marco del festival del festival "MapaExtraviado",Coquimbo-La serena ,Chile2018 Artista invitada festival "Mapa extraviado II ", Coquimbo-La Serena,Chile. 2017 Noviembre, Muestra taller metodología de la performance .AIEP,Santiago,Chile. 
2017 Noviembre,Producción y Artista en Festival de performance "Connection Europa II",Centro cultural Ex-carcel Valparaiso.Chile. 2017 , Julio, Muestra “Cuerpas” Performances feministas,Centro cultural el vagón , La Calera, Chile. 2016 Exposición colectiva,"Simbiosis" ,Valparaiso,Universidad de playa ancha, Chile. 2016 Muestra de performances "Al limite de lo obsceno" centro cultural Ex –carcel valparaiso, Chile. 2016, Julio, Impulsos performagraphikos proyecto ARTerial PERFORMANCE LAB, dirigido por Hector Canonge y gestionado por El Cubo, Plaza civica ,Valparaiso. Chile. 2016, Performance "Espiral" Exposición "Simbiosis II", Valparaiso,Universidad de playa ancha. Chile. 2016 , Obra colectiva “Octarina” naranja-azul,Universidad de playa Ancha, Valparaiso,Chile. 2015 Octubre Ciclo de acciones , Paseo Atkinson,"Dolor colonial", Valparaiso, Chile.  2015 Abril Residencia de performance "COHABITAR".Valparaiso.Chile.
Perfil Perfolink 
http://www.perfolink.org/_perfolink8/ver_artista_featu red.php?id_artista=188 

OBRAa presentar
Receptáculo
Conceptos:  "Una copa representa todo aquello que es capaz de retener líquido, por lo queestá asociada al elemento agua y este elemento se encuentra relacionado con los aspectos emocionales de todo ser humano." (…) El aire es un elemento que se relaciona directamente con el mundo de las ideas. La acción propone encontrar "la racionalidad de lo emotivo." 



VALENTINA MOLINA  

Artista que trabaja sobre las dimensiones políticas del individuo problematizando los roles de género y la maternidad, desarrollando un lenguaje simbólicodesde lo cotidiano. Su obra se desenvuelve mediante la Performance, Instalación, Escultura y Pintura. Actualmente se encuentra investigando la 
gráfica como registro y difusión audiovisual de sus obras. 
Paralelamente es miembro activo en Perfolink, Plataforma de integración Latinoamericana entorno al arte de performance,participando como Artista de Performance y en Producción de Campo a nivel de organización de Festivales, Encuentros, etc.Ha participado de Encuentros y muestra colectivas de performance desde el 2015. 



OBRAa presentar

Mi Identidad la construyó el régimen
Nuestros cuerpos están situados bajo un contexto sociocultural y bajo un régimen capitalista patriarcal que condiciona nuestros cuerpos bajo parámetros físicos, psicológicos, conductuales según nuestro género y orientación sexual, el patriarcado y el neoliberalismo están anclados hasta nuestros huesos, irrumpiendo en nuestras almas creadoras, coartando la libertad creativa, pasional, del deseo, y del amor propio limitando nuestra armonía con el planeta. La ruptura posiblees desde el propio cuerpo en proyección hacia otros.Nuestros cuerpos se descomponen, se fragmentan para rearmarse, volver a componer un cuerpo, la pregunta es: ¿Cuál es ese cuerpo? Cómo habito, ¿Cómo habitamos este nuevo cuerpo?




ALEXANDER DEL RE  

(nacido en 1961 en Santiago, Chile), es educador, curador, organizador y artista de performance desde 1993; ha presentado su trabajo en más de 20 países de Europa, Asia, Norte y Sudamérica. Ha sido curador invitado en los festivales internacionales de arte de performance, “Interakcje” de Polonia y “Blow!”, de Alemania.

Ha participado como artista, entre otros, en los festivales internacionales de arte de Performance: "Cleveland PAF '96" (Cleveland, USA), "Currency" (New York, USA), "eBent" (Barcelona, España), "Full Nelson" (Los Angeles, USA), "NIPAF", (Tokio, Nagoya, Kioto y Nagano, Japón), "7a*11d" (Toronto, Canadá), "FIX" (Belfast, Reino Unido), “Mobius Internacional Festival of Performance Art” (Boston, USA), “National Review of Live Art” (Glasgow, Escocia) , “La-bas” (Helsinki, Finlandia), “Interakcje” (Piotrków-Trybunalski, Polonia) y “Live Action Göteborg” (Göteborg, Suecia).

Ha publicado ensayos sobre la performance contemporánea de Chile y Latinoamérica en revistas especializadas de Inglaterra, Japón y Canadá; revisiones sobre su trabajo han aparecido en revistas de arte de Europa y Norteamérica, e igualmente en los libros “Performance y Arte-Acción en América Latina” (México, 2005), y en “Copiando el Edén, arte contemporáneo de Chile” (Chile, 2006). En numerosas oportunidades ha participado en conferencias, charlas y paneles, tanto nacional como internacionalmente; ha dictado talleres y clases de arte de performance en Irlanda del Norte, Finlandia, Alemania, Escocia, México, Venezuela, Argentina, Uruguay y Chile.

Fue organizador y curador de "Performare" (1997), la primera muestra internacional de arte de Performance en Santiago; y junto a Alejandra Herrera, fue co-fundador de PerfoPuerto, organización independiente de arte de Performance, con la cual fue curador y co-organizador de 12 festivales internacionales de arte de performance, entre 2002 - 2008; eventos en los cuales se presentó el trabajo de más de 120 artistas de 30 países de Europa, Asia, Oceanía y América.

Actualmente es co-fundador y director de la plataforma de arte de performance de Latinoamérica, PerfoLink, con la cual ha desarrollado 15 festivales de arte de performance y numerosos eventos en Venezuela, Chile, Uruguay, Argentina y México. 

Recientemente ha presentado su trabajo en los festivales internacionales “New Performance Turku”, Turku, Finlandia;  “Venice Performance Art Week”, Venecia, Italia, y “Transart Communication” en Eslovakia y Hungría.


OBRAa presentar

S/T 
Me interesa reflexionar sobre la relación entre mi ser y los demás, en cómo yo soy el "otro" del "otro"; con sus múltiples implicancias en la construcción de mi propio ser artístico, en una era en que la imagen del otro es validada mediante el empleo de la tecnología; en particular, me interesa el uso de las tecnologías de vigilancia como un medio de exploración de nuestra relación con el mundo percibido en el "otro", un otro cuya aparente "necesidad de vigilancia" se ha extendido exponencialmente en el mundo luego del evento del 11 de septiembre de 2001. A partir de esto, también me interesa el análisis y la reflexión sobre las relaciones de poder entre lo "masculino" y su otro natural, lo "femenino", con relación al establecimiento de relaciones binarias que se desarrollan en todas las esferas de la actividad humana. De esta forma, busco también interactuar con las relaciones socio - políticas establecidas entre los polos "dominantes" y "dominados" en la humanidad.



ILKA THEURICH 

"Escucho, hablo, escribo, realizo, imagino, hago curaduría, edito, hago docencia, peleo, me comunico ..."
Ilka Theurich ha exhibido y realizado performances en una variedad de países y contextos. Trabaja como artista, ‘coach’, curadora y educadora de una amplia gama de proyectos, incluidos eventos a gran escala, performances íntimos, publicaciones y talleres. Su trabajo diverso incluye instalaciones in situ, instalaciones de video / sonido, performances, dibujos y proyectos participativos en el espacio público.

Su trabajo artístico gira en torno a cuestiones del contexto performativo del espacio, la democracia horizontal, la práctica espacial crítica y la política espacial.

ESTUDIOS DE ARTE: 2015 Master of Arts en Arte en vivo y Estudios de Performance, Theatre Academy Helsinki FINLANDIA. 2005 nombramiento como Meisterschülerin von Prof. Ulrich Eller Universidad de Ciencias Aplicadas y Artes, Hannover ALEMANIA. 2004 Master de Bellas Artes Universidad de Ciencias Aplicadas y Artes Hannover ALEMANIA. 




OBRAa presentar

(el título se publicará después de la presentación)                              
Cada vez es más difícil en todo el mundo poder trabajar de forma libre e independiente como artista. En tiempos de adaptabilidad económica, política y global, como artistas no solo tenemos que desarrollar nuevas estrategias para nuestro trabajo artístico, sino que cada vez más tenemos la tarea de usar nuestro trabajo para salvaguardar las estructuras democráticas, por ejemplo a lo que está sucediendo en China, Hong Kong , ... y en realidad en todo el mundo. Los artistas y sus obras siempre han sido mediadores entre diferentes culturas y olas políticas. Garantizan la diversidad cultural, que es tan importante para nuestra autocomprensión. Especialmente en tiempos de polarización social, la aparente sobre demanda y el creciente nacionalismo, el arte y la cultura pueden construir puentes y estimular las discusiones.

Después de dos semanas de residencia en el Museo Histórico Cabildo de Montevideo, sobre las influencias del ilustrador alemán Johann Moritz Rugendas y sobre cómo los europeos miraron, a través de sus pinturas, en América del Sur durante el siglo XIX, desarrollaré una nueva performance y expandiré mi investigación al otro lado del Río de La Plata. En Buenos Aires, cuestionaré mi comprensión personal de cómo encuentro el mundo a través de mis ojos. ¿Estoy vigilante? ¿Estoy reflejada? Como una mujer blanca de Europa Central, soy muy consciente de mi punto de vista eurocéntrico y lo he cuestionado durante los últimos años en algunas de mis performances.