sábado, 7 de julio de 2018

Perfocharla: devenir(es) : artista . feminista . latinoamericana ::: Open field / XXXVIII > Aidana María Rico Chévez y Sofía Gabriela Menoyo




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Perfocharla: devenir(es) 
artista . feminista . latinoamericana

Aidana Rico Chávez * Sofía Menoyo 


Vol. XXXVIII de la Serie   Open field /campo abiertO
Laboratorio de acciones 100 x Siento - año 2018

Curaduría: NOS

VIERNES 13 de Julio 20:30hs Obra + Conversa
BRINDIS 



Instancias de 1ra persona en P L U R A L 

VIERNES 13, y este post: performeras de agallas y corazón hablante. accionando el pensarse latinoamericanas --ya eso una inmensidad--, hilanderas y tejedoras del horizonte plural de los buenos tiempos del Warmi-Pachacuti --otra inmensidad--, donde la cotideaneidad se nomadiza y virtualiza, se enreda y deconstruye entre desvelos revelándo-se y rebeldeándo-se. Inmensidades, cercanas, familiares. 

obvio, la nave estará, lugar-nave y todxs nos embarcaremos, siempre nos embarcamos. con nada hacemos todo, con todo, soñamos. hacemos balsas, arcas, ropajes y balcones, miradas  con patios, orillas, almohadas, para poner los mundos a crecer.  es esencial y nunca fue esencialista. el verbo troncal ha sido siempre incluir. decirle sí a la afectación abre los manantiales de las causas y ellas solas se encuentran. Sofía está en la ciudad por unos días y trabajos, Aidana me dice hay que hacer algo. esto es, reconocer un campo de incidencias que el encuentro intensifica y los cuerpos, cuerpas, mundos, memoriantes, hiladores, en ejercicio sostenido de imaginar formas de humanidad autoreflexionada, en fuga, queriendo correrse del paradigma dicotómico, y del tiempo lineal, sinapsan generando un tiempo macramé que permite sujetar múltiples funciones de la emergencia y el resistir actual. lo feminino es una colectividad, y al patriarcado eso le inquieta, las barbies y semejantes son los agentes de disrupción de esa colectividad. aquí la colectividad está fuerte organizada. 

así, en la potencia de invertir el recorrido del yo al nosotras, ante la masacre generalizada del común y la confiabilidad, ambas artistas, amigas, se interpelan al cometido del ‘arte’. el arte como hacer, la acción propia como conjunto. a sabiendas un ensayo de pedagogía del des-saber-se, como estrategia feminista para descolonizar los designios, la idea de obra, los encastres estrechos de los sospechables discursos de ‘la excelencia’ y los premios. artivismo para adentro. frente al espejo. 

una nave llena de luces y aromas,  espacio-tiempo, consenso, para provocar una  expansión de las lógicas no tamizadas por el órden de “lo racional”, reenergizando la disponibilidad vincular que ofrece ya el campo del arte-acción, para poner las incomodidades a hablar activando el goce del juego, la preservación entramada de la disponibilidad misma hacia la otredad de cuerpas y contextos sentipensantes. de la nada todo, de todo el soñar.  la única una fecha posible y la más emblemática, trece-trans, mutación, venus-pachamama, Peras de Olmo el  lugar.
Graciela Ovejero Postigo ©Julio 2018 

NOTA  de las artistas: 

Estar/habitar identidades como posiciones en el entramado de la sociedad que habitamos y nos habita. He allí la necesidad de pensar(nos) reflexionar(nos). Cuáles y cuantos son los lugares que habitamos y nos habitan, cuáles y cuantas son las marcas que nos habitan y habitamos, cuántos y cuáles son los clivajes con los que los miran. Estar siendo/deviniendo artista o activista, feminista o defensora de derechos de las mujeres, migrante o extranjera, latinoamericana, madre o no madre, activista bortera, etc… Devenir las marcas que reivindicamos para nosotras como formas de estar en el mundo.


Aidana Rico Chávez. Éxodo Vertical, Rosario, Argentina 2011 Foto: Mica Pertuzzo                
Sofía Gabriela MenoyoAple-star: gestos exóticos.3° JORNADAS DE ESTUDIOS DE PERFORMANCE “Subjetividades, Erotismos y Sexualidades”, en la Universidad Nacional de Córdoba mayo de 2018. Fotógrafa casual.

Aidana María Rico Chávez  

Nació Caracas, Venezuela 1976 vive en Buenos Aires Argentina. 
Artista, madre, migrante. Inició su trabajo de performance desde la poesía escrita y explora la potencia de lo poético. Fue profesora del taller Complementario de Performance en la Universidad Experimental de las Artes (UNEARTE Artes Plásticas), Caracas, Venezuela Junto a Ignacio Pérez y Amira Tremond fundó PERFORMANCELOGÍA, organización dedicada al Archivo y Difusión del Arte de Performance.



Aidana Rico Chávez. Variaciones sobre el vuelo. El cielo. Foto  Henry Chan. Festival Internacional de performance 7a*11, Toronto, Canadá 2014. Foto: Henry Chan. 

Sofía Gabriela Menoyo

Artista, Feminista, Activista, Investigadora y Socorrista de la Ciudad de Córdoba, Argentina. Licenciada en Escultura por la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba. Realiza el Doctorado en Ciencias Antropológicas en UNC posee Beca Doctoral SeCyT-UNC. Trabaja como investigadora en el Área Feminismo, género y sexualidades (FemGeS) del Centro de Investigaciones de la Facultad de Filosofía y Humanidades de la U.N.C. En Proyectos como el TELAR: comunidad de pensamiento feminista latinoamericana. Integra desde el 2007 la colectiva activista feminista socorrista  Las Hilando.


Sofía Gabriela MenoyoEscrito con fuego: Femicidio. Performance realizada en el marco el 8 de marzo en la plaza San Martin de Ciudad de Córdoba. Con la Colectiva las Hilando en la explanada de la UNC 2011. Fotógrafo Santiago Ponti.



VIERNES 13 de Julio 20:30hs Obra + Conversa
BRINDIS 

Evento GRATUITO

en

©Peras de Olmo – Ars Continua 2011-2018 > Niceto Vega 4678 CABA (1414) AR   
* AGRADECEMOS la DIFUSIÓN *

Peras de Olmo – Ars Continua, es un espacio autónomo sin fines de lucro dedicado al arte acción o performance como práctica que se desprendió de las artes visuales y a otras formas de arte, experiencias y procesos artísticos de base temporal, en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina. 


domingo, 20 de mayo de 2018

D u o r a m a en Buenos Aires : artistas canadienses ::: Open field / XXXVII > Paul Couillard & Ed Johnson




Paul Couillard & Ed Johnson, importante dúo de artistas canadienses presentarán una performance de la serie que vienen creando juntos desde hace 18 años, y que a su vez los constituye como sociedad artística en su mínima expresión. 

D u o r a m a  #128  constituirá el Volumen 37 de la Serie Curatorial Open field / campo abiertO - Laboratorio de acciones y marcará el inicio de muestras de arte acción / performance-art del corriente año. 


Pensamientos  P R O L O G A R E S 

De qué manera es posible y “productivo” pensar la curaduría en el marco de una práctica que reclama para sí apertura, libertad e irrenunciable autonomía creativa? Es claro que hay una diferencia entre organizar y producir una muestra de performance y asumir el crítico rol de la curaduría, donde la convención de ejercicio y la socialización de sus resultados han configurado una profesión de alto perfil que en muchos casos hasta llega a competir en creatividad con el tradicional protagonismo de lxs artistas. Lo cierto es que en la cultura de esta práctica, la de la performance o arte-acción, la producción de eventos y muestras han estado desde el principio y se mantienen aun en gran medida, en manos de lxs artistas mismxs, y, que en el desarrollo de ese ejercicio ‘by default’/ de hecho, se han creado y especializado diversos tipos de conocimientos identificables en el espectro de acciones implicadas, con los cuales todx artista del campo necesariamente entra en diálogo. Un diálogo que sin renunciar a la fundante criticidad subjetiva y cultural de la práctica, es íntimo,  consciente y emocional también. El ‘conocimiento’ que el arte acción / performance-art contribuye a la ronda de los conocimientos del arte y las ciencias humanas es un ejercicio práctico de autoconocimiento y liberación del ser como ser vinculadx, complejx y transmutable. 

Por más que estos bocetos de ideas puedan tal vez aplicarse a la generalidad de las prácticas artísticas, toda vez que implican lo curatorial, estoy siempre reflexionando dentro y a partir de algunas experiencias y legados del arte acción / performance-art, como arte vivo contemporáneo. Un arte de la subjetividad emplazada, en ejercicio de autoconciencia, se asemeja a prácticas meditativas, terapéuticas, chamánicas, analíticas, decodificantes, inquisitivas, regeneradoras tal vez. De hecho, como toda la poesía, contempla el misterio de la multiplicidad de lo vivo y de la muerte, la efimeralidad misma.   Así, la idea y posibilidad de ‘lo transmutable’ nunca puede ser determinado o producido desde fuera del ser. Si la práctica curatorial es una actividad propositiva, a partir de una investigación, observación de un cuerpo de conocimiento del cual en su tratamiento se vislumbra un valor, una potencialidad o interés a explorar, es decir algo que promoverá la expansión de lo conocido y reconocido en un contexto determinado, entonces, la práctica curatorial es una práctica de relacionalidad, empatías, asociaciones y posibilitaciones que deberán tender a y mantener una sinergía promotora de la exploración y respetuosa de las libertades de lxs artistas.  

Uno de los artistas visitantes que participan de esta muestra, Paul Couillard, es un reconocido curador de performance-art de Canadá e internacionalmente, su respuesta es “abordar la curaduría de manera semejante al abordaje del trabajo como artista de performance”.  Se trazan posibilidades sobre la base de unos primeros signos que genera un reconocimiento y se propone u observa algo a partir de lo que ese encuentro pueda sugerir en sí mismo o por realce en relación al contexto en el cual será presentado. En otras palabras, pensar la curaduría de la performance como una complicidad que propicie la emergencia de una obra, por cuenta propia, para atraer y contribuir a una reflexión abierta, inconclusiva.

Como mínimo podemos apuntar dos cualidades fundamentales del trabajo y compromiso de los artistas de Duorama, Paul Couillard y Ed Johnson, como valores de gran relevancia reflexiva, política e incluso metodológica con respecto al hacer artístico en conjunto. Estas cualidades son el escrutinio e interpelación sensible de los mandatos de la masculinidad normatizada como filtro ordenador de la conducta y autopercepción, que los afecta como personas, ciudadanos y artistas, incluso como pareja y matrimonio gay de procedencia blanca de clase media, como condición básica subyaciendo toda creación. Este tipo de conciencia activa y cuidado en la discursividad lúdica y simbólica que generan sus muy pensadas acciones, son un regalo poético y un beneficio crítico, con escasos ecos en contextos donde la masculinidad en el arte y fuera de él, ejercen sus atributos sin evidente autocrítica y exposición de su intimidad, salvo contados casos. Este escrutinio político personal  no es una cuestión que atañe sólo a la masculinidad gay, sino a toda la comunidad creativa y a todo artista varón en particular. Podríamos tal vez ensayar que el concepto operativo de Duorama expresado como “site-responsive performance” para explicar el tipo de abordaje o metodología de su trabajo, se aplica también como punto de partida a los componentes y tensiones propias del ser varones y de la masculinidad como constructo.  

Los más de veinticinco años de relación y 18 como dúo artístico de performance, considerando la intensidad de la disciplina y vulnerabilidades que promueve, admitiendo develamientos y decisiones que frecuentemente no se definen hasta minutos antes de la concreción de una acción, no es un logro menor de conocimiento del cual mucho tendríamos para considerar. Paul y Ed hablan de ‘un contrato’ de acuerdos mutuos que les permite entrar y salir del ‘trance’ de la obra y seguir con la vida como tal. Aquí, el viejo eslogan del arte asimilándose a la vida, cobra un quiebre interesante. Así como aquella comparación entre la sangre de salsa de tomate del teatro y la sangre real del cuerpo de la/él artista performer, no es suficiente ya ni para comenzar a pensar qué es hoy esta práctica, es interesante reconsiderar las transacciones entre la vida como tal, las diversas densidades de su temporalidad en gran parte rutinaria y necesariamente prevista, y la temporalidad ‘otra’ del trance consciente hipersensibilizado de la performance que seguramente admite la contribución de todo un set de virtuosidades adquiridas con el “hacer mientras se hace”, la regla de oro de una de las maestras inspiradoras de estos artistas, la maravillosa Rachel Rosenthal y su mantra “DbD / Doing by Doing”.   

Duorama #128 está siendo gestado, el jueves 24 a partir de las 19:00 hs saldrá a la luz.

Graciela Ovejero Postigo ©Mayo 2018


ENGLISH 

P R E F A C I N G  Thoughts

In what way is it possible and "productive" to think about curatorship within the framework of a practice that claims for itself openness, freedom and inalienablecreative autonomy? It is clear that there is a difference between the organization and production  of a performance-art event and the critical role of curatorship, where the exercised convention and the socialization of its results have configured a high profile profession, that in many cases comes to compete on creativity with the traditional protagonism of the artists. Certainly, within the culture of this practice, that of performance-art, the production and exhibits, have been  from the beginning and continue to be to a great extent, in the hands of the artists themselves, also, through the development of this exercise, by default, different types of identifiable knowledges have been created and specialized within the spectrum of actions involved, with which every artist in the field necessarily enters into dialogue. A dialogue that, without renouncing to the founding subjective and cultural criticality of the practice, is intimate, conscious and emotional as well. The 'knowledge' that action / performance as art contributes to the round of knowledges of art and human sciences is a practical exercise of self-knowing and liberation of the self as a connected being, complex and transmutable.

Although these sketches of ideas may perhaps apply to the generality of artistic practices, while addressing the curatorial, I am always reflecting within and from some experiences and legacies of performance art, as contemporary living art. An art of emplaced subjectivity, exercising self-consciousness, resembles meditative, therapeutic, shamanic, analytical, decoding, inquisitive practices, regenerative perhaps. In fact, like all poetry, it contemplates on the mystery of the multiplicity of the living and  death, on ephemerality itself. Thus, the idea and possibility of the 'transmutable' can never be determined or produced from without of the self. If the curatorial practice is a propositive activity, departing from a research, observation of a body of knowledge of which in its treatment a value, potentiality or interest to be explored is seen, that is to say something that will promote the expansion of the known and recognized In a specific context, then, curatorial practice is a practice of relationality, empathy, associations and possibilities that should aim to maintain a synergy that promotes exploration respectful to the freedoms of artists. 

One of the visiting artists participating in this exhibition, Paul Couillard, is a renowned curator of performance art in Canada and internationally, his response is "to approach curatorship in a similar way to the approach of work as a performance artist". Possibilities are drawn on the basis of first signs that a recognition generates and something is proposed or observed according to what that encounter may suggest in itself or by certain emphasis in relation to the context in which it will be presented. In other words, to think about performance art curatorship as a complicity that encourages the emergence of a work, on its own, to attract and contribute to an open, inconclusive reflection.

At the very least we can point out two fundamental qualities of the work and commitment of Duorama artists Paul Couillard and Ed Johnson, as values ​​of great reflexive, political and even methodological relevance with respect to artistic making as a whole. These qualities are the scrutiny and sensitive interpellation of the mandates of masculinity as a standardized filter of behavior and self-perception, which affects them as persons, citizens and artists, even as a couple and gay marriage, of white middle class provenance, as a basic condition underlying all creation. This type of active awareness and care in the playful and symbolic discursivity generated by their much thought out actions, are a poetic gift and a critical benefit, with few echoes in contexts where masculinity in the arts and outside of it, exert their attributes without evident self-criticism and intimacy exposure, except in a very few cases. This personal political scrutiny is not a question that concerns only gay masculinity, but the entire creative community and every male artist in particular. We could perhaps rehearse that the operational concept of Duorama expressed as "site-responsive performance" to explain the type of approach or methodology of their work, also applies as a starting point to the tensions and components of being male and of masculinity as a construct.

The more than twenty-five years of relationship and 18 as artistic duo of performance, considering the intensity of the discipline and vulnerabilities that it promotes, admitting revelations and decisions that are often not defined until minutes before the realization of an action, is not a minor achievement of knowledge of which, we should much consider. Paul and Ed talk about 'a contract' of mutual agreements that allows them to enter and leave the 'trance' of the work and continue with life as such. Here, the old slogan of art assimilating to life, takes an interesting break. As well as that comparison between the tomato sauce blood of the theater and the real blood of the performer's body, it is not enough to start thinking about what this practice is today, it is interesting to reconsider the transactions between life as such, the diverse densities of its temporality largely routine and necessarily foreseen, and the 'other' temporality of the hypersensitized conscious trance of performance that surely admits the contribution of a whole set of virtuosities acquired with the doing while it is done, the golden rule of one of the inspiring teachers of these artists, the wonderful Rachel Rosenthal and her mantra "DbD / Doing by Doing".
 
Duorama # 128 is being gestated, on Thursday the 24th from 7:00 pm it will come to light.


Graciela Ovejero Postigo ©Mayo 2018 

D u o r a m a  bio 

Durante los últimos 18 años, Paul Couillard y Ed Johnson han trabajado juntos en Duorama, una serie de obras de arte de performance que exploran nociones de relación --entre sí, con el entorno y con el público. Responder al sitio y examinar actitudes culturales hacia la intimidad masculina son elementos clave de su proceso. Los temas recurrentes giran en torno a queering los espacios, a desvelar  historias ocultas, imaginando nuevas hibridaciones y explorando interpretaciones cambiantes de lo que es político y lo que es personal. Muchas de las obras se pueden leer en términos del clima social y político actual en torno a la cultura gay, ofreciendo referencias dubitativas a temas como el matrimonio homosexual, el estado del VIH y las representaciones de la cultura gay. Divertidas, seductoras y, a menudo, minimalistas, estas piezas se basan en las tensiones competitivas y de colaboración que subyacen a todas las alianzas. Hasta la fecha, se han presentado 127 actuaciones de Duorama en galerías, festivales y diversos eventos en Canadá, Francia, Polonia, Croacia, Ucrania, Bielorrusia, Finlandia, Alemania, Suiza, España, EE. UU., Singapur, Irlanda y el Reino Unido. 

Duorama #96. September 24, 2005 / Mope 05 Movement to Performance Festival. Platform @ Vaasa City Art Gallery, Vaasa, Finlandia. Foto: Susanne Kass. 


Paul Couillard ha trabajado como artista, comisario y teórico cultural desde 1985. Ha creado más de 200 trabajos individuales y colaborativos en 24 países. Fue Curador de arte de performance para Fado de 1993 a 2007, y también es co-comisario fundador del Festival de Arte de Performance Internacional 7a * 11d, ambos con sede en Toronto. Es el editor de Canadian Performance Art Legends, una serie de publicaciones combinadas de texto y DVD sobre artistas mayores de la performance-art en Canadá,  publicados a través de Fado. La primera entrega, La Dragu: el arte vivo de Margaret Dragu fue lanzada en 2002; el segundo libro, Ironic to Iconic: The Performance Works de Tanya Mars fue lanzado en 2008; y el último, Alain-Martin Richard: Performances, Manœuvres et autres hypothèses de disparition / Performances, Manéuvers and Other Hypotheses for Disappearing, coeditado con Alexandra Liva, se publicó en 2014. 

Ed Johnson es un artista visual que ha creado obras de performance desde 1996. Su trabajo como solista a menudo ha explorado temas de comunicación / no comunicación (Box, Words of Love) y del estado del VIH (Inquisitive / Inquisitor, Untitled "[sic] "). Actualmente su enfoque se centra en la masculinidad, incluyendo Pro tanto quid retribaumus (por tanto, cuánto pagaremos) y política (Niqab, sauver la reine). Ed Johnson es miembro fundador de Fado, un centro de artistas de performance ubicado en Toronto, donde se desempeñó como miembro de la junta hasta 2010. 


Duorama #104. September 29-30, 2007 / Nuit Blanche - Nightless City Collective, evento citadino, acción de 12 horas (7pm-7am) en la calle Church, Toronto, Canadá. Foto: Don Simmons.



ENGLISH

Paul Couillard & Ed Johnson, an important canadian artists duowill present a joint performance of the series they have been creating together for 18 years, and which in turn constitutes them as an artistic minimal society.

D u o r a m a  #128 will constitiute Volumen 37 of the Curatorial Series Open field / campo abiertO - Laboratorio de acciones and will mark the beginning of exhibitions for the current year. 

D u o r a m a  bio

For the last 18 years Paul Couillard and Ed Johnson have worked together on Duorama, a series of performance art works that explore notions of relationship—to each other, to the surrounding environment, and to audiences. Responding to site and examining cultural attitudes toward male intimacy are key elements of their process.  Recurring themes revolve around queering spaces, surfacing hidden histories, imagining new hybridities, and exploring shifting interpretations of what is political and what is personal. Many of the works can be read in terms of the current social and political climate surrounding gay culture, offering askance references to issues such as gay marriage, HIV-status, and portrayals of gay culture. Playful, beguiling and often minimalist, these pieces draw on collaborative and competitive tensions that underlie all partnerships. To date, 127 Duorama performances have been presented at galleries, festivals and various events in Canada, France, Poland, Croatia, Ukraine, Belarus, Finland, Germany, Switzerland, Spain, USA, Singapore, Ireland and UK.  


Paul Couillard has been working as an artist, curator, and cultural theorist since 1985. He has created more than 200 solo and collaborative performance works in 24 countries. He was the Performance Art Curator for Fado from 1993 to 2007, and is also a founding co-curator of the 7a*11d International Performance Art Festival, both based in Toronto. He is the editor of Canadian Performance Art Legends, a series of combined text and DVD publications on senior Canadian performance artists published through Fado. The first installment, La Dragu: the Living Art of Margaret Dragu was released in 2002; the second book, Ironic to Iconic: The Performance Works of Tanya Mars was released in 2008; and the latest, Alain-Martin Richard: Performances, manœuvres et autres hypothèses de disparition / Performances, Manoeuvres and Other Hypotheses for Disappearing, co-edited with Alexandra Liva, was published in 2014.
                                                                       
Ed Johnson is a visual artist who has been creating performance art works since 1996. His solo work has often explored issues of communication/non-communication (BoxWords of Love) and of HIV status (Inquisitive/InquisitorUntitled "[sic]"). Currently his focus is on masculinity including Pro tanto quid retribaumus (for so much what shall we repay) and politics (Niqab, sauver la reine)Ed Johnson is a founding member of Fado, an artist run centre for performance art located in Toronto, where he served as a board member until 2010. 
   

Peras de Olmo – Ars Continuais an autonomous, non-profit space dedicated to action or performance art a practice emerged from the visual arts and to other forms of time-based art, experiences and artistic processes, in the Autonomous City of Buenos Aires, Argentina.


sábado, 24 de marzo de 2018

Peras de Mayo ::: UPCOMING Pears ::: May Pears


D u o r a m a  #128  constituirá el Volumen 37 de la Serie Curatorial Open field / campo abiertO - Laboratorio de acciones y marcará el inicio de muestras de arte acción / performance-art del corriente año.

D u o r a m a  bio

Durante los últimos 18 años, Paul Couillard y Ed Johnson han trabajado juntos en Duorama, una serie de obras de arte de performance que exploran nociones de relación --entre sí, con el entorno y con el público. Responder al sitio y examinar actitudes culturales hacia la intimidad masculina son elementos clave de su proceso. Los temas recurrentes giran en torno a queering los espacios, a desvelar  historias ocultas, imaginando nuevas hibridaciones y explorando interpretaciones cambiantes de lo que es político y lo que es personal. Muchas de las obras se pueden leer en términos del clima social y político actual en torno a la cultura gay, ofreciendo referencias dubitativas a temas como el matrimonio homosexual, el estado del VIH y las representaciones de la cultura gay. Divertidas, seductoras y, a menudo, minimalistas, estas piezas se basan en las tensiones competitivas y de colaboración que subyacen a todas las alianzas. Hasta la fecha, se han presentado 127 actuaciones de Duorama en galerías, festivales y diversos eventos en Canadá, Francia, Polonia, Croacia, Ucrania, Bielorrusia, Finlandia, Alemania, Suiza, España, EE. UU., Singapur, Irlanda y el Reino Unido. 


Paul Couillard ha trabajado como artista, comisario y teórico cultural desde 1985. Ha creado más de 200 trabajos individuales y colaborativos en 24 países. Fue Curador de arte de performance para Fado de 1993 a 2007, y también es co-comisario fundador del Festival de Arte de Performance Internacional 7a * 11d, ambos con sede en Toronto. Es el editor de Canadian Performance Art Legends, una serie de publicaciones combinadas de texto y DVD sobre artistas mayores de la performance-art en Canadá,  publicados a través de Fado. La primera entrega, La Dragu: el arte vivo de Margaret Dragu fue lanzada en 2002; el segundo libro, Ironic to Iconic: The Performance Works de Tanya Mars fue lanzado en 2008; y el último, Alain-Martin Richard: Performances, Manœuvres et autres hypothèses de disparition / Performances, Manéuvers and Other Hypotheses for Disappearing, coeditado con Alexandra Liva, se publicó en 2014.

Ed Johnson es un artista visual que ha creado obras de performance desde 1996. Su trabajo como solista a menudo ha explorado temas de comunicación / no comunicación (Box, Words of Love) y del estado del VIH (Inquisitive / Inquisitor, Untitled "[sic] "). Actualmente su enfoque se centra en la masculinidad, incluyendo Pro tanto quid retribaumus (por tanto, cuánto pagaremos) y política (Niqab, sauver la reine). Ed Johnson es miembro fundador de Fado, un centro de artistas de performance ubicado en Toronto, donde se desempeñó como miembro de la junta hasta 2010.

Peras de Olmo – Ars Continua, es un espacio autónomo sin fines de lucro dedicado al arte acción o performance como práctica que se desprendió de las artes visuales y a otras formas de arte, experiencias y procesos artísticos de base temporal, en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina.   


ENGLISH
D u o r a m a in Buenos Aires !

Paul Couillard & Ed Johnson, An important duo of canadian artists will present a joint performance of the series they have been creating together for 18 years, and which in turn constitutes them as an artistic minimal society.
D u o r a m a  #128, -- among other public talks and activities with local artists-- will be presented on Thursday, May 24 (7:30 PM) at Peras de Olmo – Ars Continua, crowning the 10-day residency that the artists will share in the same space.

D u o r a m a  #128 will constitiute Volumen 37 of the Curatorial Series Open field / campo abiertO - Laboratorio de acciones and will mark the beginning of exhibitions for the current year.

D u o r a m a  bio

For the last 18 years Paul Couillard and Ed Johnson have worked together on Duorama, a series of performance art works that explore notions of relationship—to each other, to the surrounding environment, and to audiences. Responding to site and examining cultural attitudes toward male intimacy are key elements of their process.  Recurring themes revolve around queering spaces, surfacing hidden histories, imagining new hybridities, and exploring shifting interpretations of what is political and what is personal. Many of the works can be read in terms of the current social and political climate surrounding gay culture, offering askance references to issues such as gay marriage, HIV-status, and portrayals of gay culture. Playful, beguiling and often minimalist, these pieces draw on collaborative and competitive tensions that underlie all partnerships. To date, 127 Duorama performances have been presented at galleries, festivals and various events in Canada, France, Poland, Croatia, Ukraine, Belarus, Finland, Germany, Switzerland, Spain, USA, Singapore, Ireland and UK.  


Paul Couillard has been working as an artist, curator, and cultural theorist since 1985. He has created more than 200 solo and collaborative performance works in 24 countries. He was the Performance Art Curator for Fado from 1993 to 2007, and is also a founding co-curator of the 7a*11d International Performance Art Festival, both based in Toronto. He is the editor of Canadian Performance Art Legends, a series of combined text and DVD publications on senior Canadian performance artists published through Fado. The first installment, La Dragu: the Living Art of Margaret Dragu was released in 2002; the second book, Ironic to Iconic: The Performance Works of Tanya Mars was released in 2008; and the latest, Alain-Martin Richard: Performances, manœuvres et autres hypothèses de disparition / Performances, Manoeuvres and Other Hypotheses for Disappearing, co-edited with Alexandra Liva, was published in 2014.
                                                                      
Ed Johnson is a visual artist who has been creating performance art works since 1996. His solo work has often explored issues of communication/non-communication (Box, Words of Love) and of HIV status (Inquisitive/Inquisitor, Untitled "[sic]"). Currently his focus is on masculinity including Pro tanto quid retribaumus (for so much what shall we repay) and politics (Niqab, sauver la reine). Ed Johnson is a founding member of Fado, an artist run centre for performance art located in Toronto, where he served as a board member until 2010.
   
Peras de Olmo – Ars Continua, is an autonomous, non-profit space dedicated to action or performance art a practice emerged from the visual arts and to other forms of time-based art, experiences and artistic processes, in the Autonomous City of Buenos Aires, Argentina.


domingo, 19 de noviembre de 2017

PAErsche en Buenos Aires : artistas alemanes ::: Open field / XXXVI > Boris Nieslony * Karin Meiner * Evamaria Schaller * Marita Bullmann * Thomas Reul * Anja Ibsch *

 

Vol. XXXVI de la Serie   Open field /campo abiertO
Laboratorio de acciones 100 x Siento - año 2017

Curaduría: Graciela Ovejero Postigo

VIERNES 24 de Noviembre 19:00hs > Dúos & Solo Performances +
Conversatorio y BRINDIS 

/ * \

SOBRE  P A E r s c h e
El colectivo PAErsche, laboratorio de Performance Art, con sede en Renania del Norte-Westfalia, Alemania, se fundó en el año 2010. Alrededor de 20 artistas de performance de esta región y sus alrededores están asociados con PAErsche. Su fuerza reside en abrazar diferentes generaciones de artistas que trabajan juntos y se enriquecen mutuamente.
Cada evento es generado en el marco del concepto “Open Source Performance”  / "Performance de código abierto". Alguien comienza a abrir el campo de acciones y otros se unen cuando sienten el impulso de hacerlo. Así se construye una estructura, comparable con un móvil, todos los participantes se mueven en acción. Un experimento.
El objetivo de PAErsche es crear un espacio de encuentro y también crear diálogos entre artistas alemanes e internacionalmente. Les interesa la comunicación intercultural. Las actividades de PAErsche sirven como plataforma para iniciar la discusión sobre Performance Art.    

 

PAErsche. Art Tectum. Foto: Thomas Reul.

*          
BORIS NIESLONY
Boris Nieslony ha dedicado su vida a desarrollar una mayor comprensión de las implicaciones filosóficas, éticas, sociales, revolucionarias e insurreccionales históricas del arte del performance y a difundir estos hallazgos lo más ampliamente posible. Es un incansable e inspirador defensor del arte del performance viviente, basado en el encuentro del encuentro. Aboga por la práctica organizando y asistiendo a numerosas reuniones de artistas a nivel internacional, publicando sus textos teóricos y otros, archivando obras y creando obras de performance, fotografía e instalación que enfrentan con fuerza un malestar existencial y una poesía alquímica y visual. En 1985 Nieslony co-fundó Black market international, un conjunto de artistas de performance en colaboración. El mismo año fundó la Asociación de Servicios de Arte [www.asa.de], que actúa como una agencia para conectar artistas de performance en una red. Desde 1995 también ha establecido una serie de eventos anuales en Alemania, Permanent Performance Konferenz, diseñados para investigar las posibilidades del arte de performance tanto en la práctica como en la teoría. 2000 estableció el E.P.I. Zentrum (Instituto Internacional de Performance, dedicado a la práctica del arte de performance y su investigación teórica.

“La obra de Boris Nieslony para mí es interesante, debido a su renuencia a transigir.  Su obra se caracteriza por una estricta forma, en combinación con un gran interés y un profundo respeto por la vida en general y por el ser humano en particular. Aunque la obra muchas veces parece referirse a temas como la muerte, la destrucción y la degeneración o humillación de la humanidad, es notable que el espectador experimente finalmente una sensación de amor profundo, mientras mira la obra. No es de extrañar, que las actividades de Nieslony, aparte de su arte individual, a menudo se determinan por encontrar maneras de cooperar con los demás.” Jacques van Poppel  
www.asa.de/projects/asastart.htm 

 

Boris Nieslony. “What apples can do – otherwise idenfified / ¿Qué pueden hacer las manzanas? - de lo contrario, ser identificadas”. 2017. Foto: Sareena Sattapon.

KARIN MEINER
Nacida en 1958 - vive en Burgbrohl / Alemania.
Desde 1983 trabaja como artista profesional con habilidades interdisciplinarias; desde 1983 hasta 1990 obra grupal colectiva en Performance y Sonido, DaDa-Revue, Teatro-Multimedia;
Desde 1990 Exposiciones, exp. Festivales de cine y arte-Performances en Europa, África y Asia.
1991-2008 en todo el mundo Polaroid-Proyecto interactivo "El arte es ..."
2010 Co-fundadora de PAErsche. 2011 - 2014 organiza la plataforma para el Arte de Performance en Bonn (Künstlerforum) y desde 2013 la plataforma de intervenciones de Grupo de Performance de Grupo Abierto con PAErsche e invitados en espacios públicos en zonas rurales y mercados de Renania-Palatinado. El formato se denomina "explorador".
2016 organización de LiveArt-eventos en diferentes espacios públicos en Koblenz como parte de "Stadtlandschaft. Raum für Einblicke und Aussichten "
2012 - 2014 organiza TISCHTRANSAKTION RLP con Boris Nieslony en el estado federal de Renania-Palatinado con 35 socios de red y maravillosos proyectos de arte con mesas ...

Desde el año 2014 da inicio, cura y organiza ArtLab, espacio de Arte en Kunstpavillon Burgbrohl en una zona rural para el cruce experimental.


Karin Meiner. Marketplace Ahrweiler 2017. Foto Anja Plonka.

EVAMARIA SCHALLER
Mi trabajo oscila entre arte de performance, película e instalación. Trabajo con la película de medios como un instrumento documental. En mis videoperformances uso las grabaciones para fragmentar el cuerpo en partículas en movimiento. Me ocupo del entorno social y los espacios liminares y uso mi cuerpo como una medida. En mis presentaciones en vivo, trabajo con acciones diarias y es absurdo. En estos exámenes, reflexiono e interactúo con las condiciones específicas del sitio y creo acciones o instalaciones a través de gestos simples y claros. Estoy interesado en esta interacción con las condiciones específicas del sitio que rigen el comportamiento y las relaciones humanas. Transformo y descontextualizo materiales diarios o encuentro material y lo combino. Siempre tengo que ajustar mis propios bordes: fracaso como compañero constante.    "Creo imágenes como un escultor con el cuerpo como mi material. Creo patrones como pintor y el tiempo es mi pincel. Intervengo como músico y el espacio comienza a sonar. En estos sofisticados momentos de encuentro trato de compartir mi universo y la forma en que lo descubro ".

"Creo imágenes como un escultor con el cuerpo como mi material.
Creo patrones como pintor y el tiempo es mi pincel.
Intervengo como músico y el espacio comienza a sonar.
En estos sofisticados momentos de encuentro trato de compartir mi
universo y la forma en que lo descubro ".
www.eufemaria.com 

 

Evamaria Schaller. Chengdu. Foto: Thomas Goddard.

MARITA BULLMANN
Marita Bullmann es artista de performance, instalación y fotografía. Vive y trabaja en Essen, Alemania. Marita estudió fotografía en la Universidad de Artes Folkwang en Essen, Alemania y en el mismo período fue a Israel para estudiar en la Academia de Arte y Diseño de Bezalel en Jerusalén, donde tomó clases en Performance Art con Adina Bar-On. Luego también tomó talleres entre otros con: Kira O'Reilly, Jürgen Fritz, He Chengyao, Jamie McMurray, Arti Grabowski. Se graduó en 2011 con distinciones en la Universidad Folkwang de las Artes en Essen, Alemania. Ese mismo año junto a Boris Nieslony (Black Market International) y otros artistas de performance locales, fundaron PAErsche, un laboratorio de acción, que se centra en los encuentros y la creación de redes como un regalo y cooperación (www.paersche.org).  Desde 2013 organiza la plataforma de performance-art INTERVAL donde participan artistas de toda Europa y China. (www.maritabullmann.de/interval/) Ha mostrado su trabajo en Europa, Israel, Rusia, Singapur, Tailandia y China.

Declaración de artista
Para mí, Performance Art es una de las partes más vivas de las bellas artes que un artista puede crear con sus propias capacidades. La situación que crea un artista es su propio retrato y manifestación de personalidad y perspectiva. Dentro de mi trabajo, examino situaciones que están presentes en nuestra vida diaria pero que no se perciben de manera consciente. Los materiales de la vida cotidiana se descontextualizan de su uso original y se les proporciona una nueva diferencia. Mantengo el número de materiales para cada performance en lo mínimo, lo cual es útil para mí y para el público para mantener la acción enfocada y clara. Exploro momentos en los que se transfiere el contexto intrínseco que comunica una mirada, una opinión así como valores, temperamentos y peculiaridades. Mi objetivo es crear un momento efímero que combine / acerque / mueva varias capas personales. Me gusta jugar con ciertas cualidades de disgusto, erotismo, fracaso, sensibilidad y género. Ya que la posibilidad de error, de coincidencia u obstáculos inesperados están siempre, trato de lograr una sensación visual incontaminada en la que la simplicidad genere un humor, un momento poético y mágico. Mi intención es afectar los mecanismos visuales y perceptuales normales, más allá de sus valores culturales y crear un nuevo 'espacio' que nos recuerde la manera diferente en que percibimos las cosas. Busco imágenes y acciones que manifiesten la belleza del presente y su simplicidad. Quiero transmitir el placer de "dejar que el alma nade" ("laisser nager son âme", Michaux) para permitir que la imaginación parta con una imagen poética.
http://maritabullmann.de

 

Marita Bullmann. Dialogo duracional”. Foto: Thomas Reul.


THOMAS REUL
Comencé a estudiar fotografía en la universidad de artes folklóricas en 2009. En el transcurso de esto, mi forma artística de expresión se ha expandido más allá de la "imagen fija" bidimensional en la tridimensionalidad del espacio y en el proceso de movimiento. Desde 2011, este desarrollo ha sido respaldado por mi acompañamiento foto-documental de las performances de PAErsche Action-Lab. Mi transformación también fue alentada por mi participación en varios talleres interdisciplinarios, como "Feldstärke international", el formato de investigación transdisciplinar del pact zollverein en Essen, Marsella y Kioto. Después de graduarme en la universidad de artes folkwang en 2013, comencé a estudiar en la kunsthochschule für medien en Colonia. Desde entonces estoy profundamente involucrado en el  festival de performance art Interval, una plataforma de performance establecida por Marita Bullmann con un creciente reconocimiento internacional. Desde 2015 soy miembro de PAErsche, además de la documentación fotográfica, organizo y realizo eventos artísticos de performance. 

Declaración del artista
Estoy particularmente interesado en las formas de trabajo físicas orientadas a los espectadores. En mis trabajos, exploro las percepciones ordinarias, así como la interacción de materiales de uso diario con el cuerpo de diferentes maneras y intentando expresar esto con variados medios artísticos. Las formas de expresión resultan de la calidad específica de la combinación de cuerpo, material y el tema respectivo. Intento entablar un diálogo en el que el material es moldeado por mí y, a través de este proceso visual, abre nuevas formas de pensamiento. 

 

Thomas Reul. Foto: Joern Vanselow, 2017.


ANJA IBSCH
En su trabajo, Anja Ibsch característicamente prueba sus límites corporales, creando imágenes que combinan preocupaciones conceptuales con tareas de resistencia o fuerza física. Para el público, estas imágenes funcionan transformando la forma en que vemos o entendemos la identidad física del artista intérprete o ejecutante. Al mismo tiempo, las obras involucran a la artista en una percepción cambiante de su relación con el mundo que la rodea. Ibsch crea su trabajo en respuesta a las circunstancias que se presentan, adaptándose a entornos y situaciones locales.  Anja Ibsch ha trabajado activamente como artista y curadora en las áreas de performance e instalación desde 1993. Actualmente con sede en Berlín, crea intensas obras que exploran aspectos personales, culturales y sociales de la presencia humana mientras investiga los niveles de resistencia y tolerancia de su cuerpo. Frecuentemente inspirado por los mitos de la santidad, el sacrificio y la liberación, su trabajo enfatiza y amplía las conexiones entre su cuerpo y la tierra. Sus variadas acciones han incluido comer polvo, ofrecer la superficie de su piel como un lugar de anidamiento para gusanos y derretir hielo en sus ojos.

Nacida en 1968 en Rheine, Alemania, vive en Berlín.
Realiza performances desde 1994. Selección de obras:
2017  still, wake festival, Folkstone, GB  /  2017  three trees, Interakcje, Piotrków Trybunalski (Polen)  /  2016  stay healthy, noMad festival, Berlin (Germany)  /  2015  fracture, bone festival, Bern (Switzerland)  /  2015  resistance, action MAD, Madrid (Spain)  /  2014  Tüten, Kubus, Hannover (Germany)  /  2013  Schrei, Month of performance art Berlin (Germany)  /  2012  Riss, Museum of Modern Art, Valdivia, (Chile)  /  2011  santanija, InterActions, Sardegna (Italy)  /  2010  santanija, galerie kub, Leipzig (Germany)  /  2008  crisis, Festival Periferias, Huesca (Spain)  /  2007  security, Asiatopia, Chiang Mai (Germany)  /  2006  the last supper, fado, Toronto (Canada)  /  2005  cross, Acción!05MAD, Madrid (Spain)  /  2005  tear passages, private impact, National Museum Stettin (Poland)  /  2005  derranger de l`espace, iles de la madelaine (Canada)  /  2004  in life,  Mobile Museen, Berlin (Germany)  /  2003  victim, Performance Stipp, Bielefeld (Germany)  /  2003  age, Performancedays Willisau, (Schwitzerland)  /  2003  Thuja, Performance Conference, Essen (Germany)  /  2001  age, Escher Wyss Passage, Zurich (Schwitzerland)  /  2001  German Graffiti, Via Festival, Paris (France)  /  2000  Ideal, Zagreus Project, Berlin (Germany)  /  1999  Incorporation, MMAC,Tokyo (Japan)  /  1998 Incorporation, Identa Gasteig, München (Germany)  /  1998 Incorporation, Thahar Haddat, Tunis (Tunesia)  /  1997  the run, Rhinish museum, Bonn (Germany)  /  1997  Incorporation, Performance conference 5, Bangkok (Thailand). 
https://anja-ibsch.jimdo.com/english/ 

 

Anja Ibsch.  Foto:  Jörn J. Burmester.



VIERNES 24 de NOVIEBRE 19:00hs > PERFORMANCES, Conversatorio y BRINDIS

Se sugiere puntualidad  \  * Capacidad limitada *   /  Conversatorio como parte de: 

 


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