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S O L pleno - lo lejano y lo central
Miri Hamada * Daisuke Takeya *
Vol. XLIX de la Serie Open field / campo abiertO
Laboratorio de acciones 100 x Siento - año 2019
Curaduría: Graciela Ovejero Postigo
SÁBADO 7 de Diciembre 20:00hs > Obra/s + Conversa informal
y BRINDIS
S O L pleno - lo lejano y lo central
Presentación curatorial
Soy consciente de haberme permitido el simplismo inicial de aceptar la pregnante estructura visual con la que se identifica al Japón como nación, para además de señalar un lugar en el mundo, que es el lugar donde lxs artistas de este volumen han nacido y crecido sus infancias y tempranas juventudes, permitió al automatismo asociativo siluetear un símbolo que como imagen minimalista, dispone una fórmula rotunda, a la vez cerrada y abierta. La unidad del círculo, del color único y primario sobre el blanco como ausencia, desierto y amplitud, imponen una plenitud que en su definitiva afirmación, también encandilan generando una experiencia de embudo inverso en el que la amplitud lo disuelve todo. Está claro que en las narrativas occidentales sobre “el mundo”, hasta antes del subrayado acontecimiento de 1492 como el de la llegada de Colón a lo que llamamos América, Japón era el límite del mundo conocido y se la imaginó como la tierra del sol naciente. De alguna maneraaundesde Sudamérica,donde nuestros ancestrxs han adorado al sol como fundamentalmente asociado a la viday a la integralidad, a pesar de la disolución de las distancias visuales y auditivas por las tecnologías de la comunicación, seguimos teniendo esa noción de gran lejanía y de encontrarnos en el lado opuesto de nuestra esfera planetaria, y del tiempo que demarca el trayecto de la tierra alrededor del sol.
Al pensar en la performance como un arte presencial de la singularidad física y biográfica, como una cierta centralidad dispuesta a abrirse o disgregarse en la acción, la idea de lo lejano y central ofrecía un sugerente paralelo. En una segunda reflexión, lo pleno--del círculo rojo como perfectamente simétrico-- y nuevamente,lo lejano y lo central, conjuran una ficción afirmativa casi opuesta a conocidos valores fundamentales desarrollados por la voluntad estética y sensibilidad en la cultura japonesa como ser la irregularidad, la sencillez y lo efímero.
Con todo esto apuntado, y desmarcándonos de insostenibles expectativas folkloristas o totalizadoras, queda además expresamente establecido en conversaciones con Miri Hamaday Daisuke Takeya un consciente afán de des-identificarse con tipificaciones sobre la identidad nacional, precisamente en función de su compromiso con la práctica artísticay sentido de apertura del propio ser, que paradójicamente en la búsqueda poética de lo vital y sensiblemente inconcluso, vuelve a acariciar valores destilados de su particular lejanía temporal colectiva.
Graciela Ovejero Postigo ©Noviembre 2019
ENGLISH
full S U N - the far and the central
Curatorial presentation
I am aware that I have allowed myself the initial simplicity of accepting the stunning visual structure that identifies Japan as a nation, since in addition to pointing out a place in the world, which is the place where the artists of this volume have been born and lived their childhoods and early youth, the associative automatism permitted silhouetting a symbol that as a minimalist image, offers a resounding formula, both enclosed and open at the same time. The unity of the circle, of the unique and primary color on the white as absence, desert and amplitude, impose a fullness that in its definitive affirmation, also dazzles generating an inverse funnel experience in which the amplitude dissolves everything. It is clear that in Western narratives about "the world," even before the underlined occurrences of 1492 with the arrival of Columbus to what we call America, Japan was the limit of the known world and imagined as the land of the rising sun. In some ways, yet from South America where our ancestors have worshiped the sun as fundamentally associated with life and togetherness, in spite of the dissolution of visual and auditory distances by communication technologies, we continue to have that notion of great remoteness and the sense of being on the opposite side of our planetary sphere, and of time as demarcated by the path of the earth around the sun.
When thinking of performance as a presence-based art of physical and biographical singularity, as a centrality of sorts willing to open or disintegrate in action, the idea of the distant and central offered a suggestive parallel. In a second reflection, the full- of the red circle as perfectly symmetrical - and again, the distant and the central,conjure an affirmative fiction almost opposite to known fundamental values developed by the aesthetic will and sensitivity in Japanese culture such as irregularity, simplicity and the ephemeral.
With all this pointed out, and clearing us of unsustainable folkloric or totalizing expectations, it is also expressly established in conversations with Miri Hamada and Daisuke Takeya their conscious desire to de-identify themselves with national identity typologies, precisely based on their commitment to artistic practice and sense of self openness, which paradoxically in the poetic search for the vital and sensibly unfinished, once again caresses distilled values of their particular collective temporal remoteness.
Graciela Ovejero Postigo ©Noviembre 2019
BIOGRAFÍAS y CONCEPTOS de lxs ARTISTAS
MIRI HAMADA
Miri HamadaNació en Kochi, Japón. Vive y trabaja en Tokio y México.
Educación: 2015 BFA, Musashino Art University, Tokio, donde estudió pintura al óleo. Hasta 2016 tenía su sede en Tokio, y ahora vive en la Ciudad de México donde realiza estudios de performance.
“Incluso en diferentes entornos y culturas, lo que estoy tratando de revelar a través del cuerpo y algunos objetos siempre les recuerda a las personas los sentidos del mundo percibido, como cuando toca el suelo por primera vez. A través de un tiempo lento que fluye entre presentaciones cortas y una acción trivial, el público no bailará, estará emocionado de hundirse en la silla ".
Presentaciones de Performance
2018: 23th Nippon International Performance Art Festival, 3331 Arts Chiyoda, Tokyo, Japón.
2016: 21th Nippon International Performance Art Festival, 3331 Arts Chiyoda, Tokyo, Japón.
NIPAF ASIA WS IN:ACT 2017 - Nha San Collective & The Factory Contemporary Arts Centre, Hanoi, Ho chi min, Vietnam. Doubutsuen Vol1, Vol3 – Yoyogi Park, Tokyo, Japan Vol.5 - Kamo River, Kyoto.
2014: Performance Art Workshop- Depart, Dhaka, Bangladesh.
International Live Performance Art – Bindu a space for Artists, Nepal, Kathmandu
17th Nippon International Performance Art Festival ASIA, Tokyo, Japón.
20th Nippon International Performance Art Festival -Tokyo-Osaka-Nagano Japón.
Kolkata International Performance Art Festival , Kolkata, India.
Muestra Individual: “Hamada Miri” -garandu gallery, Musashino Art University, Tokyo, Japón ---curada por Ura Ayaka. 2014.
Muestras Grupales:
2016: “OOQO / the continent, and YAGI” - Koganei Art Spot Chateau & Space Wunderkummer
seaside poolside - Inage sea side park pool, Chiba, Japón.
2015: “Selected works from Degree show” - Musashino Art University Museum, Tokyo, Japón.
“sonna me de miru” model room , Tokyo, Japón.
2014: “April 2014 to November 2014” - Musashino Art University,Tokyo, Japón.
Trabajos como organizadora y editora:
2018: Burro Press Japan tour co-organize with Ryoko Ami, Ryutraro Arakawa. BIWA - Live performance & Talk - Subterenian,Tokyo, Japón. 2015: “Meconopsis charity live and performance for earthquake in Nepal”- Ruby Room, Tokyo, Japón. Performance and video festival ,Merry cultureday! Here is Ohyama – Subterenian, Tokyo, Japón. 2014: Artist talk Nguyen Phuong Linh - Musashino Art University, Tokyo, Japón.
2014: Charla de Artista y Catalogo de Nguyen Phuong Linh (Inglés & Japonés)
(The number of copies of this special edition book is limited to 70.)
Premios y reconocimientos:
2015: Premio a la excelencia de trabajos de grado - Musashino Art University, Tokyo, Japón.
Miri Hamada ha sido becaria del Programa de Cooperación para la Formación de Recursos Humanos en la asociación estratégica global entre México-Japón 2018.
M.H._”Pienso en un cuerpo neutral para irradiar género, el cuerpo como objeto, un objeto similar a un cuerpo, y un elemento natural que no puedeser completamente intencionadocomo la gravedad,o el agua que gotea para siempre. Además, mis acciones son entre poesía y narrativa, y el público encuentra continuidad allí sin mostrarlo claramente. Mi objetivo es ver el rango de resultados y el potencial de la imaginación. Puedo abandonar deliberadamente el contexto delterritorio. Es un intento de traicionar lo que se espera cuando se presenta en el extranjero, o busca adquirir la universalidad. ¿Hasta qué punto no podemos referirnos directamente a Japón, aparte de las discusiones y las historias culturales? Creo que el trabajo también es traslacional como las palabras.”
ENGLISH
M.H._“I think about a neutral body to irradiate gender, a body as object, a body-like object, and a natural provident that cannot be fully intended such as gravity, or water dripping forever. Also, my actions are between poetry and narrative, and the audience finds continuity there without showing it clearly. My goal is to see the range of results and the potential of imagination. I may deliberately leave the context of the land. It is an attempt to betray what is expected when it is presented overseas, or it seeks to acquire universality. To what extent can we not directly refer to Japan, apart from discussions and cultural stories? I think the work is also translational like words.”
DAISUKE TAKEYA
Daisuke Takeya es un artista interdisciplinario con sede en Toronto-Tokio, y frecuentemente curador, coleccionista, educador de arte y defensor de la comunidad. La praxis de Takeya hace foco en la exploración de la naturaleza y lo plausible en la sociedad contemporánea, y admite todo tipo de doble sentido.
“Combinando los campos de la pintura, escultura e instalación, mi trabajo enfatiza el proceso en términos de creatividad, producción y colaboración, e intenta abordar una comprensión del contexto y el entorno. Su característica principal es que veo la producción como un proceso para situarme en un lugar particular y luego comprenderlo.”
Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas a nivel internacional, incluidas exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo de Toronto; la Japan Foundation/ Fundación de Japón en Toronto; Scotia Bank Nuit Blanche, Toronto; Galería SVA, Nueva York, Estados Unidos; Wagner College Gallery, Nueva York, Estados Unidos; el Museo de Arte Contemporáneo Chongqing Changjiang, China.
Takeya ha exhibido su trabajo en todo Japón, incluso en la Bienal de Arte Contemporáneo de Fukushima; el Programa de Arte Saison, Museo de Arte Moderno de Saison, Tokio; Roppongi Art Night, Tokio; y la Galería Prince Takamado, Embajada de Canadá, Tokio. Es el representante y curador de Field Trip Project / Field Trip Project Asia, POWER TO THE PEOPLE, Fukushima NO ALICE, Multi Layered Surfaces y DAICHI Projects.
En 2018, Takeya participó en la Bienal de Yamagata, Yamagata, Japón; Festival de escritores y lectores de Ubud, Bali, Indonesia; SIPAF (Festival de Arte de Solidaridad en la Paz), Manila, Filipinas; PLATAFORMA CERO: FESTIVAL DE ARTE DE PERFORMANCE 2018 (Myanmar); Canon New Cosmos of Photography 2018 (Ganador del Premio Mención de Honor), Museo de Fotografía de Tokio; y dirigió la inauguración de Responding: International Performance Art Festival and Meeting.
DT_“Actualmente estoy interesado eninvestigar la especificidad desitio en relación al arte de performance. ¿Se realizaría unamisma obra de arte de la misma manera en diferentes continentes, tiempos, contextos, etc.? El trabajo, por supuesto, tendrá diferentes significados, pero ¿cómo? Más específicamente, durante este añohe estado creando "monumento" como una serie de obras. Pequeñas historias de experiencia vivida trabajando como "proto-monumento", algo que aún no se ha incorporado, o en algunos casos pueden abandonarlas narraciones dominantes de la memoria comunitaria representadas en Monumentocon mayúscula.”
ENGLISH
DT_“I am currently interested in investigating site-specificity inperformance art. Would the same artwork be performed the same way over different continents, time, contexts, etc? The work then will of course have different meanings, yet how so? More specifically I have been creating “monument” as artwork this year. Small histories of lived experience working as “proto-monument,” which has not yet been incorporated into, or in some instances may drop out of, dominant narratives of communal memory represented in capital-letter-Monument.”
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