PASEN Y VEAN ::: Open field / V. LI > > Claudio Braier * Andrea Cárdenas * Carina Ferrari Cecilia Nazar * Guadalupe Neves * Alfredo Rosenbaum Ita Scaramuzza * Gastón Severina * Javier Sobrino

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PASEN Y VEAN 

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Claudio Braier * Andrea Cárdenas * Carina Ferrari
Cecilia Nazar * Guadalupe Neves * Alfredo Rosenbaum
Ita Scaramuzza * Gastón Severina * Javier Sobrino

Vol. LI de la Serie   Open field / campo abiertO

Laboratorio de acciones 100 x Siento - año 2019

Artistas Argentines

SÁBADO 25 de Noviembre 19hs > performance colectiva + 

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Conversa informal y BRINDIS 

Miramos. Somos mirados, atravesados por la mirada del otrx, ¿qué ven, qué vemos ahí, en cercanía o lejanía, qué se esconde? Si lo fundamental es ver, la sociedad nos impone una cantidad de aparatos para medir, mejorar, aumentar eso que vemos y que muchas veces no queremos ver. Hurgar en el otro hasta el mínimo detalle, leer hasta quedarnos ciegos. ¿Y fabricar nuestros propios ojos nos regalará una nueva mirada?

Esta performance puesta en acto entre nueve propone otear el horizonte de estas cuestiones, cuestionarse y cuestionar al público, ¿hasta dónde seremos capaces de sostenernos la mirada? Hasta donde puedan, hasta donde quieran, pasen y vean.

CLAUDIO BRAIER

Claudio D.  Braier. Nacido en Buenos Aires el 20 de enero de 1956. Artista visual, performer, psicólogo social y arteterapeuta. Desde 1994 hasta 2002 integró el grupo FOSA, realizó performances en diversos museos y espacios públicos. Luego de la disolución del grupo es performer solista en distintos espacios: Umbral espacio arte /C.A.B.A. (Ciclos de performance y Noche de los Museos ), Peras de Olmo / C.A.B.A. , Arte al Cubo II (Fondo Nacional de las Artes) Puesto de arte 86 / Mercado San Juan /C.A.B.A, SOS Tierra, La Revuelta , 704 Oficina de Arte, Alianza Francesa , Biblioteca Nacional , Museo del Libro y de la Lengua , Experiencia  Hiedra, Biblioteca Madero (San Fernando). También es organizador y curador en varios espacios independientes e instituciones (Perfoadictes)

Ig @claudiobraier

ANDREA CÁRDENAS

Andrea Cárdenas. Artista visual y performer argentina (1970). Especialista en Lenguajes Artísticos Combinados UNA, desarrollo profesional como docente e investigadora en el Departamento de Artes Visuales de dicha institución y en otras instituciones universitarias y terciarias. Actualmente cursando la Maestría en Lenguajes Artísticos Combinados, UNA. Sus producciones se centran en la performance, investigando las relaciones y procesos creativos en el cruce de lenguajes artísticos. Presentó sus performances en festivales y encuentros nacionales e internacionales, además de a haber sido co-organizadora de festivales y encuentros de performance. 

Ig @andreacardenas4332

CARINA FERRARI

Carina Ferrari. Expone desde 1987 pinturas, libros/páginas de artista, arte correo, instalaciones, poesía experimental y performances en el país y en el exterior. Formó parte de los grupos de performances Bocquel – Ferrari, Límite Aparente, Ensamble Caústico - Muñecas Clínicas - Perras de Sulky. Actualmente en Carina Ferrari - Guadalupe Neves. Organizadora del Festival Arte al Cubo (objetoxsonidoxpalabra) desde 2012 junto a Alfredo Rosenbaum, Guadalupe Neves y Jackie Miller. Realizó performances en Cuerpos poéticos 1 y 2, Co-De. 2020 y  2022. De a dos/Otrx. Fase 5 y Fase 7, Laboratorio de Acciones 100xsiento. V. XXX. Volátil Felicidad. Relatos inmateriales de los 90. (BP15).  Cuerpos, tecnoindices y sentido, Intercambio Japonés Argentino de performance, 1 y 2º Encuentro de Arte de Acción y Performance, Viva el 8 de Marzo. Expotrastiendas La Noche de los Museos. Mutaciones y En Tránsito (Argentina-Chile)

https://www.behance.net/carinaferrari

Youtube: https://www.youtube.com/channel/UC8z5OV2MW5Wfi2sUh5JyKKg

CECILIA NAZAR

Cecilia Nazar. Traductora literaria. Formación en danza contemporánea y artes combinadas. Ha participado en distintos  encuentros y festivales con performances individuales (Lengua Mural,  en el I Encuentro de Performance; Territorial, en el Ciclo Open Field Peras de Olmo; Intemperie, en Estructuras de viento en el paisaje patagónico, org.:RedSur;  Calar desaforado, en Lugar de cuerpos poéticos, org. Equipo de investigación Espacio 24, entre otras) y junto a otros artistas (como integrante del Grupo Fosa de performance; en el V Encuentro de Poesía Visual;  en el evento De a Dos / Otrxs) . Trabajos en collage, poesía visual, arte correo. Su interés principal es el trabajo sobre la imagen visual que generan las  formas del lenguaje. Trabaja y reside en Puerto Madryn, Prov. de Chubut.

Ig: @cecilia.n.imagen

GUADALUPE NEVES

Guadalupe Neves. Artista multimedia, performer  y docente investigadora.  Como performer fue co-fundadora del grupo Almarmada junto a Verónica Allocati, Gloria Pasarella, Alejandra Pollito Liliana Gelman y Silvina Resnick (1992- 1997). El grupo presentó múltiples eventos en Argentina y México (Museo ExTeresa, México DF). Es miembro del comité organizador y curatorial, junto a Carina Ferrari, Jacki Miller y Alfredo Rosenbaum de las 5 ediciones de “Arte al Cubo”, organizado por la UNA, de “Mutaciones. Homenaje a Portillos” y de “Intercambio de Performance Japón. Argentina” junto a Mónica García y Javier Sobrino (UNA). Dirige el Proyecto “Memoria, cuerpo, territorio” DAV- UNA.Ha participado en diversos  festivales de performance en la República Argentina y en el exterior. Ha desarrollado obras en colaboración con artistas entre ellas varias con Carina Ferrari  y “CURARE” con Carina Ferrari, Jacki Miller, y Alfredo Rosenbaum  en Espacio Peras de Olmo

ALFREDO ROSENBAUM

Alfredo Rosenbaum (Rosario, Provincia de Santa Fe, 1964). Escritor, director y performer. Licenciado en Letras (UBA),  Especialista en Gestión y Administración Cultural (UNA) y Magister en Creación Musical, Nuevas Tecnologías y Artes Tradicionales (UNTREF). Desde los 80 escribe poesía y textos para la escena, dirige y actúa en espectáculos teatrales de experimentación en el país y el extranjero, y realiza performances colectivas e individuales. Miembro del Equipo La serie dirigido por Ita Scaramuzza (1990-1998), director de los grupos Amoratados x Lola y Ensamble Cáustico, ha realizado también performance individuales y grupales. Produce libros de artista, poesía visual y arte correo, participando de numerosas muestras individuales y colectivas. Docente y Director de la Especialización y Maestría en Lenguajes Artísticos Combinados, dirige así mismo el equipo de investigación sobre cuerpo, política y cruce de lenguajes en Argentina. Es curador de ciclos y eventos de performance.

Ig @alfredo.rosenbaum

ITA SCARAMUZZA

Ita Scaramuzza  (Buenos Aires, Argentina). Es actriz, performer, directora teatral, docente, autora de varias obras teatrales y realiza obras visuales como libros de artista y poemas visuales. Entre 1989 y 1998 coordina el Equipo La serie, con el cual experimenta en la búsqueda de un lenguaje propio en el que fusionar en lo teatral, lo verbal, lo vocal, lo corporal y lo coreográfico. Por el espectáculo Caballo en un incendio  recibe el premio a la Mejor Dirección y, con él, realiza una gira por Argentina, México, Chile y Colombia.  Desde 2008  es invitada a realizar  diversas performances  -grupales, individuales, dúos- en ciclos nacionales e internacionales .  Es investigadora en lenguajes combinados y docente invitada en la Maestría en Lenguajes Artísticos Combinados de la UNA. 

www.itascaramuzza.com 

GASTÓN SEVERINA

Gastón Severina. Performer, Productor, Docente e Investigador. Se formo como Licenciado en Artes Visuales en la Universidad Nacional de las Artes (UNA), es Especialista en Lenguajes Artísticos Combinados por la misma Universidad y Magíster en Estudios Contemporáneos de las Artes por la Universidad Federal Fluminense (UFF)-Brasil. Trabaja en docencia desde el 2008 en el DAVPP-UNA e integra dos proyectos de investigación en el mismo Departamento. Sus prácticas artísticas fluctúan en el cruce entre lo corporal, lo visual y lo verbal.

https://www.flickr.com/photos/gastonseverina/

@astorsever

JAVIER SOBRINO

Javier Sobrino. Artista visual y performer, argentino. 1968. Especialista en Lenguajes Artísticos Combinados UNA, docente e investigador de la UNA Universidad Nacional de las Artes en el Departamento de Artes Visuales. Docente en la ESEA Manuel Belgrano. Actualmente cursa la Maestría en LAC, UNA. Su obra se centra en el cruce de lenguajes. Sus performances fueron expuestos desde 1996 en diferentes festivales, tanto en Argentina como en el exterior, Brasil, Chile, Finlandia, México, Japón, y Uruguay. Fue coorganizador de festivales internacionales de performance.

@javier.ildefonso.sobrino

 

 

DIÁLOGO AMISTOSO --- LA INSOPORTABLE LEVEDAD DE LA ESPERANZA ::: Open field / V. L > > Eva Dabara * Peter Baren *

 

::: Peras de Agosto ::: August Pears ::: Peras de Agosto ::: August Pears ::: 

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DIÁLOGO AMISTOSO
/ / 
LA INSOPORTABLE  LEVEDAD DE LA ESPERANZA

Eva Dabara * Peter Baren *

Vol. L de la Serie Open field / campo abiertO

Laboratorio de acciones 100 x Siento - año 2023

Curaduría: Graciela Ovejero Postigo

VIERNES 18 de Agosto 18:00hs>Conversa

SÁBADO 26 de Agosto 19:00hs>Obra/s 

con BRINDIS 

 

Lxs artistas invitadxs en esta ocasión traen consigo una amplia e intensiva experiencia artística individual, con su propia diversidad de recorridos y contextos culturales que en cada caso despliegan un ethos personal de gran identificación con el campo trans-disciplinar del arte de performance contemporánea, que se compone de legados conceptuales, experimentalidad e investigación intermitente, y de emergencias críticas locales en conectividad transnacional.  Ambxs artistas trabajan desde una relación particular con y alrededor de la palabra, con resultados muy diferentes, en Eva, quien también es poeta, la palabra es dirección, línea viva, paisaje mental y discursividad sonora de ecos emocionales; en Peter la palabra adquiere materialidad objetual, transmuta en cartografías conceptuales de precisión ha cerca de cuestiones que abruman la conciencia y se reflejan, como una necesidad ineludible en los largos títulos de sus piezas. 

Ambxs artistas imantan y modelan el espacio con sus inequívocas presencias, desplegando a la vez, la espacialidad inmanente de la performance que se han propuesto realizar, con un sentido de visión gestáltica abarcadora, aun cuando el accionar pueda atraer atención sobre mínimos gestos.   

LA INSOPORTABLE  LEVEDAD DE LA ESPERANZA por Peter Baren 

DIÁLOGO AMISTOSO por Eva Dabara

The artists invited on this occasion bring with them a broad and intensive individual artistic experience, with their own diversity of backgrounds and cultural contexts that in each case display a personal ethos of great identification with the trans-disciplinary field of contemporary performance art, which is composed of conceptual legacies, experimentalism and intermittent research, from within local critical emergencies in transnational connectivity.  Both artists work from a particular relationship with and around language, with very different results, in Eva, who is also a poet, the spoken or recorded word is direction, living line, mental landscape and sonorous discursivity of emotional echoes; in Peter, language acquires objectual materiality, it transmutes into conceptual cartographies of precision yet labyrinthine, close to issues that overwhelm  consciousness and are reflected, as an inescapable necessity in the long titles of his pieces. 

Both artists magnetize and shape the space with their unmistakable presences, unfolding at the same time, the immanent spatiality of the performance they have set out to make, with a sense of encompassing gestalt vision, even when the action may draw attention to minimal gestures.   

THE INSOPORTABLE LIGHTNESS OF HOPE by Peter Baren

FRIENDLY DIALOGUE by Eva Dabara

 

g.o.p. Agosto 26, 2023. Buenos Aires.

 

EVA DABARA

EMOJI - 2021  

IMAF and AUSTRAL festival, Buenos Aires

 

Eva Dabara es una artista visual y de performance interdisciplinaria establecida en Tel Aviv (Israel). Estudió Filosofía y Literatura Inglesa en la Universidad de Tel-Aviv y en la escuela de arte Camera Obscura de Tel-Aviv. Ha publicado tres libros de poesía y ha ganado un premio literario. 

Tras un año de aventuras en las islas del Caribe, publicó el libro de poesía "Paradise Episodes", un programa de radio literario, la exposición individual "Bermuda Triangle" y un espectáculo de poesía y danza. 
 
Dabara se mueve entre múltiples disciplinas, como la fotografía, el texto y el vídeo, con el apoyo de su formación en danza. Un hilo común en su práctica desde 2005 es el uso de su propio cuerpo como herramienta central y métodos de arte performativo. 
 
Eva Dabara ha participado en numerosas exposiciones y festivales de performance tanto locales como internacionales: en Londres, Nueva York, Portugal, Serbia, Chicago, Hamburgo, Buenos Aires, Sofía, Bolivia, Kassel (Alemania), Budapest y en un proyecto de poesía en la 53 Bienal de Venecia, entre otros.
www.fb.me/eva.dabara.artist
www.fb.me/eva.dabara.artist
A comprehensive article/ interview featuring performances
https://issuu.com/landescapeartpress/docs/special.edition/130
on social and cultural circumstances, I am raising issues such as sexuality, conventions, human relations and war.
In this way, the cognitive space flows into the physical space. The boundaries are blurred and the unraveled edges are open for viewers' interpretation.

Un amplio artículo/entrevista que recoge performances en LandEscape Art Magazine https://issuu.com/landescapeartpress/docs/special.edition/130

Eva Dabara is an interdisciplinary visual artist and performer based in Tel-aviv, Israel. She studied philosophy and English Literature at Tel-Aviv University and at Camera Obscura school of art Tel-Aviv. She published 3 books of poetry and won a literary prize.

An adventurous and defining year in the Caribbean Islands produced the poetry book "Paradise Episodes", a literary radio program, a solo exhibition "Bermuda Triangle" and a poetry-dance performance.

Dabara shifts between multiple disciplines including photography, text and video supported by a background in dance. A common thread in her practice since 2005 is the use of her own body as a central tool and methods of performance art.

Eva Dabara has participated in numerous exhibitions and performance art festivals both locally and internationally: in London, New-York, Portugal, Serbia, Chicago, Hamburg, Buenos Aires, Sofia, Bolivia, Kassel Germany, Budapest and in a poetry project at the 53rd Venice Biennale among others.

LandEscape Art Magazine

Declaración de la artista

En mi práctica interdisciplinar empleo fotografía, vídeo, mis propios poemas y textos, sonido instrumental o vocal, en directo o grabado, movimientos coreografiados y una escenografía cuidadosamente diseñada. Un hilo conductor de mis prácticas es el uso de mi propio cuerpo como herramienta central y método de actuación. 

Me centro en explorar la interacción entre la imagen visual, el texto, el cuerpo y el sonido enfrentados. Me interesa la tensión que se crea entre ellos y cómo los signos se convierten en símbolos. Al tiempo que creo una visión crítica del individuo y de las circunstancias sociales y culturales, planteo cuestiones como la sexualidad, las convenciones, las relaciones humanas y la guerra. 

Los objetos cotidianos que utilizo combinan perfectamente sus colores con el decorado. Su simplicidad encierra un potencial metafórico, simbólico o subversivo.

Un aspecto de improvisación se revela en la parte interactiva con el público y en aquellas acciones en las que se liberan recuerdos inconscientes y codificados, en contraste con la estructura planificada y cronometrada. De este modo, el espacio cognitivo fluye hacia el espacio físico. Los límites se difuminan y los bordes se abren a la interpretación del espectador.De este modo, el espacio cognitivo fluye hacia el espacio físico. Los límites se difuminan y los bordes se abren a la interpretación del espectador.

Mediante el uso de repeticiones en los movimientos y en la voz como una especie de ritual, examino la posibilidad de superar un proceso familiar y lineal, moviéndome dentro de un espacio liminal.  

Artist Statement

In my interdisciplinary practice I employ photography, video, my own poems and text, instrumental or vocal sound, either live or recorded, choreographed movements and carefully designed set. A common thread through my practices is the use of my own body as a central tool and performance methods.

I focus on exploring the interaction between the visual image, text, body and sound confronting each other. My interest lies in the tension created between them and how signs become symbols. While creating a critical view on the individual and

The everyday props I am using blend their colours neatly with the set. They embody metaphorical, symbolic or subversive potential in their simplicity.

An aspect of improvisation is revealed in the interactive part with the audience and in those actions in which unconscious, encoded memories are released, standing in contrast to the planned and timed structure.

By using repetitions in movements and in voice as a kind of ritual, I examine the possibility of exceeding a familiar and linear process, moving within a liminal space.

IRON DOME  -  ZAZ Festival - 2012

PETER BAREN

*1954. Países Bajos. Vive en Ámsterdam y trabaja en performances y otras presentaciones.                                                          

Baren está considerado uno de los artistas más destacados en el campo del arte de la performance en los Países Bajos / Stedelijk Museum Amsterdam.

La implicación del público se desencadena movilizando todos los sentidos. No puede ni debe ser que los espectadores abandonen el lugar impasibles. Una performance de Peter Baren no es un espectáculo visual, sino una experiencia emocional / Rob Perree.

Baren estudió pintura en la Rijksakademie van beeldende kunsten de Ámsterdam de 1972 a 1977. Desde su primera actuación pública en 1980, su obra se ha expuesto con frecuencia en los Países Bajos y, a mediados de los ochenta, a escala internacional. 

En 1989 Baren fue galardonado con el PRIX DE ROME Art & Theatre. 
Su trabajo es a menudo colaborativo; entre otros artistas con los que ha trabajado en una primera etapa se encuentran el artista Stuart Sherman, el bailarín / coreógrafo Truus Bronkhorst, el criminólogo / poeta Koos Dalstar.

Su práctica multimedia incluye actuaciones públicas en lugares concretos, a las que se refiere como "exploraciones temporales". Utiliza la fotografía y el vídeo tanto para documentar estas actuaciones como para crear obras que son exámenes más específicos del medio y giran en torno a la historia de la humanidad, los objetos culturales y el espacio. Muchas de las piezas de Baren conmemoran la noción de ritual y su funcionamiento en diversos contextos socioculturales. Esto se transmite en su arte a través del uso de conceptos de alteridad y culturas tanto antiguas como contemporáneas en obras que también emplean técnicas de arte corporal aunque en escenarios minimalistas construidos con atrezzo histórico.

PETER BAREN Blind Dates With The History Of Mankind Performances 1980-2013, la monografía, se presentó durante STAGE IT! Serie de presentaciones sobre el arte de la performance en el Stedelijk Museum de Ámsterdam, mayo de 2014. 

Blind Dates With The History Of Mankind (2013-  actualidad), como serie de performances multisensoriales, busca un terreno común el desconcierto sensual y el sufrimiento operativo, desafiando la naturaleza construida de nuestras ideas sobre el progreso, la identidad y la memoria, derivadas de nuestras circunstancias sociales, culturales, políticas y territorios excedentes.                                                       

Su obra se ha expuesto en conocidos festivales de performance, museos y plataformas como STEIRISCHER HERBST. Puntos de referencia 38/88. Graz / THE NATIONAL REVIEW OF LIVE ART. Tramway, Glasgow / POLYPHONIX 14. París. París / FESTIVAL A/D WERF, Utrecht / Shedhalle, Zürich / Franklin Furnace, Nueva York / SPRING. Chisenhale Dance Space and Gallery, Londres / FESTIVAL DE OTOÑO DE BUDAPEST. Mücsarnok, Palacio de Exposiciones, Budapest / III. ¡SPOTKAN TEATRU WIZJI I PLASTYKI, Poltel Filmstudios, Katowice / LIVE! Biennale. ¡Vancouver / STAGE IT! Stedelijk Museum, Ámsterdam / BLURRR. 5ª Bienal de Arte de Performance. Tel Aviv / ASIATOPIA #10. Centro de Arte y Cultura de Bangkok, Bangkok / VERBO #12. Mostra de Performance Arte. Galeria Vermelho, Sao Paulo / Préavis de Désordre Urbain. Marsella / UP-ON Live Art Festival 2008 - 2020. Museo de Arte Lushan, Chengdu / TRANSMUTED. Ex Teresa Arte Actual, Ciudad de México / EL MANIFIESTO [DESPUÉS] VIDAS DE PERFORMANCE. De Appel Arts Center - Theater Frascati, Ámsterdam / CURRENCY. Festival Internacional de Performance Contemporánea. Nueva York / GUANGZHOU LIVE #1. 53 Art Museum, Guangzhou / Infr'Action Venezia II. Venecia / Primera Trienal Internacional de Performance DEFORMES. Santiago de Chile /

Peter Baren  *1954. The Netherlands.                                                                                                                                                          Lives in Amsterdam and works on performances and other presentations.                                                                    

Baren is considered one of the most prominent artists in the field of performance art in the Netherlands / Stedelijk Museum Amsterdam.

The involvement of the audience is triggered by mobilizing all the senses. It cannot and should not be that the spectators leave the location unmoved. A performance by Peter Baren is not a visual spectacle, but an emotional experience / Rob Perree.

Baren studied painting at the Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam from 1972 to 1977. Since his first public performance in 1980 his work has been shown frequently in the Netherlands and during the mid-eighties on an international level. 

In 1989 Baren was a recipient of the PRIX DE ROME Art & Theatre. 

His work is often collaborative; other artists he has worked with in an early stage include a.o. artist Stuart Sherman, dancer / choreographer Truus Bronkhorst, criminologist / poet Koos Dalstar.

His multimedia practice includes site-specific public performances which he refered to as ‘temporary explorations’. He uses photo and video both for documenting these performances and to create works which are more medium-specific examinations revolving around the history of mankind, cultural objects and space. Many of Baren’s pieces commemorate the notion of ritual and the way it functions in various socio-cultural contexts. This is conveyed in his art through the use of concepts of otherness and both ancient and contemporary cultures in works that also employ body art techniques although in minimalist settings constructed with historical props.                                                                                                              

PETER BAREN Blind Dates With The History Of Mankind Performances 1980-2013, the monography, was presented during STAGE IT! Series of presentations on performance art at Stedelijk Museum Amsterdam, May 2014. 

Blind Dates With The History Of Mankind (2013-  present), as a multi-sensory performance series, searches for a common ground between sensual bewilderment and operational suffering, challenging the constructed nature of our ideas on progress, identity and memory, derived from our social, cultural, political circumstances and exceeds territories.                                                                   

His work has been exhibited at well-known performance festivals, museums and platforms such as STEIRISCHER HERBST. Points of Reference 38/88. Graz / THE NATIONAL REVIEW OF LIVE ART. Tramway, Glasgow / POLYPHONIX 14. Paris / FESTIVAL A/D WERF, Utrecht / Shedhalle, Zürich / Franklin Furnace, New York / SPRING. Chisenhale Dance Space and Gallery, London / BUDAPEST AUTUMN FESTIVAL. Mücsarnok, Palace of Exhibitions, Budapest / III. SPOTKAN TEATRU WIZJI I PLASTYKI, Poltel Filmstudios, Katowice / LIVE! Biennale. Vancouver / STAGE IT! Stedelijk Museum, Amsterdam / BLURRR. 5th Biennial of Performance Art. Tel Aviv / ASIATOPIA #10. Bangkok Art and Culture Centre, Bangkok / VERBO #12. Mostra de Performance Arte. Galeria Vermelho, Sao Paulo / Préavis de Désordre Urbain. Marseille / UP-ON Live Art Festival 2008 – 2020. Lushan Art Museum, Chengdu / TRANSMUTED. Ex Teresa Arte Actual, Mexico City / THE MANIFOLD [AFTER] LIVES OF PERFORMANCE. De Appel Arts Center – Theater Frascati, Amsterdam / CURRENCY. An International Festival of Contemporary Performance. New York / GUANGZHOU LIVE #1. 53 Art Museum, Guangzhou / Infr’Action Venezia II. Venice / Primera Trienal Internacional de Performance DEFORMES. Santiago de Chile /

2022 Athens

Co.De. / Constelaciones Decoloniales en Arte-Acción 2020 > CONstrucción AUDIOVISUAL y CONVERSA Virtual

Graciela Ovejero Postigo 

Concepto, curaduría y dirección de edición audiovisual

Editora Malen Ovejero 

Co.De. 2020 Pieza Audiovisual en VIMEO accesible hasta el 7 de Marzo

: TEXTO CURATORIAL / Invitación enviada a lxs artistas :

 

S O L pleno – lo lejano y lo central ::: Open field / XLIX > > Miri Hamada * Daisuke Takeya *

::: Peras de Diciembre ::: December Pears ::: Peras Diciembre ::: December Pears ::: 

press release ::: gacetilla de prensa ::: press release ::: gacetilla de prensa 

 S O L pleno - lo lejano y lo central

Miri Hamada * Daisuke Takeya * 

Vol. XLIX de la Serie   Open field / campo abiertO

Laboratorio de acciones 100 x Siento - año 2019

Curaduría: Graciela Ovejero Postigo

SÁBADO 7 de Diciembre 20:00hs > Obra/s + Conversa informal

y BRINDIS 

www.perasdeolmo.blogspot.com 

S O L  pleno - lo lejano y lo central 

Presentación curatorial 

Soy consciente de haberme permitido el simplismo inicial de aceptar la pregnante estructura visual con la que se identifica al Japón como nación, para además de señalar un lugar en el mundo, que es el lugar donde lxs artistas de este volumen han nacido y crecido sus infancias y tempranas juventudes, permitió al automatismo asociativo siluetear un símbolo que como imagen minimalista, dispone una fórmula rotunda, a la vez cerrada y abierta. La unidad del círculo, del color único y primario sobre el blanco como ausencia, desierto y amplitud, imponen una plenitud que en su definitiva afirmación, también encandilan  generando una experiencia de embudo inverso en el que la amplitud lo disuelve todo. Está claro que en las narrativas occidentales sobre “el mundo”, hasta antes del subrayado acontecimiento de 1492 como el de la llegada de Colón a lo que llamamos América, Japón era el límite del mundo conocido y se la imaginó como la tierra del sol naciente. De alguna maneraaundesde Sudamérica,donde nuestros ancestrxs han adorado al sol como fundamentalmente asociado a la viday a la integralidad, a pesar de la disolución de las distancias visuales y auditivas por las tecnologías de la comunicación, seguimos teniendo esa noción de gran lejanía y de encontrarnos en el lado opuesto de nuestra esfera planetaria, y del tiempo que demarca el trayecto de la tierra alrededor del sol.  

Al pensar en la performance como un arte presencial de la singularidad física y biográfica, como una cierta centralidad dispuesta a abrirse o disgregarse en la acción, la idea de lo lejano y central ofrecía un sugerente paralelo. En una segunda reflexión, lo pleno--del círculo rojo como perfectamente simétrico-- y nuevamente,lo lejano y lo central, conjuran una ficción afirmativa casi opuesta a conocidos valores fundamentales desarrollados por la voluntad estética y sensibilidad en la cultura japonesa como ser la irregularidad, la sencillez y lo efímero. 

Con todo esto apuntado, y desmarcándonos de insostenibles expectativas folkloristas o totalizadoras, queda además expresamente establecido en conversaciones con Miri Hamaday Daisuke Takeya un consciente afán de des-identificarse con tipificaciones sobre la identidad nacional, precisamente en función de su compromiso con la práctica artísticay sentido de apertura del propio ser, que paradójicamente en la búsqueda poética de lo vital y sensiblemente inconcluso, vuelve a acariciar valores destilados de su particular lejanía temporal colectiva.

Graciela Ovejero Postigo ©Noviembre 2019 

ENGLISH

full S U N - the far and the central

Curatorial presentation

I am aware that I have allowed myself the initial simplicity of accepting the stunning visual structure that identifies Japan as a nation, since in addition to pointing out a place in the world, which is the place where the artists of this volume have been born and lived their childhoods and early youth, the associative automatism permitted silhouetting a symbol that as a minimalist image, offers a resounding formula, both enclosed and open at the same time. The unity of the circle, of the unique and primary color on the white as absence, desert and amplitude, impose a fullness that in its definitive affirmation,  also dazzles generating an inverse funnel experience in which the amplitude dissolves everything. It is clear that in Western narratives about "the world," even before the underlined occurrences of 1492 with the arrival of Columbus to what we call America, Japan was the limit of the known world and imagined as the land of the rising sun. In some ways, yet from South America where our ancestors have worshiped the sun as fundamentally associated with life and togetherness, in spite of the dissolution of visual and auditory distances by communication technologies, we continue to have that notion of great remoteness and the sense of being on the opposite side of our planetary sphere, and of time as demarcated by  the path of the earth around the sun.

When thinking of performance as a presence-based art of physical and biographical singularity, as a centrality of sorts willing to open or disintegrate in action, the idea of ​​the distant and central offered a suggestive parallel. In a second reflection, the full- of the red circle as perfectly symmetrical - and again,  the distant and the central,conjure an affirmative fiction almost opposite to known fundamental values ​​developed by the aesthetic will and sensitivity in Japanese culture such as irregularity, simplicity and the ephemeral. 

With all this pointed out, and clearing us of unsustainable folkloric or totalizing expectations, it is also expressly established in conversations with Miri Hamada and Daisuke Takeya their conscious desire to de-identify themselves with national identity typologies, precisely based on their commitment to artistic practice and sense of self openness, which paradoxically in the poetic search for the vital and sensibly unfinished, once again caresses distilled values ​​of their particular collective temporal remoteness.

Graciela Ovejero Postigo ©Noviembre 2019 

BIOGRAFÍAS y CONCEPTOS de lxs ARTISTAS

MIRI HAMADA 

Miri HamadaNació en Kochi, Japón. Vive y trabaja en Tokio y México.

Educación: 2015 BFA, Musashino Art University, Tokio, donde estudió pintura al óleo. Hasta 2016 tenía su sede en Tokio, y ahora vive en la Ciudad de México donde realiza estudios de performance.

“Incluso en diferentes entornos y culturas, lo que estoy tratando de revelar a través del cuerpo y algunos objetos siempre les recuerda a las personas los sentidos del mundo percibido, como cuando toca el suelo por primera vez. A través de un tiempo lento que fluye entre presentaciones cortas y una acción trivial, el público no bailará, estará emocionado de hundirse en la silla ".

Presentaciones de Performance

2018: 23th Nippon International Performance Art Festival, 3331 Arts Chiyoda, Tokyo, Japón. 

2016: 21th Nippon International Performance Art Festival, 3331 Arts Chiyoda, Tokyo, Japón. 

NIPAF ASIA WS IN:ACT 2017 - Nha San Collective & The Factory Contemporary Arts Centre, Hanoi, Ho chi min, Vietnam.  Doubutsuen Vol1, Vol3 – Yoyogi Park, Tokyo, Japan Vol.5 - Kamo River, Kyoto.

2014: Performance Art Workshop- Depart, Dhaka, Bangladesh.

International Live Performance Art – Bindu a space for Artists, Nepal, Kathmandu

17th Nippon International Performance Art Festival ASIA, Tokyo, Japón.

20th Nippon International Performance Art Festival -Tokyo-Osaka-Nagano Japón.

Kolkata International Performance Art Festival , Kolkata, India.

  

Muestra Individual: “Hamada Miri” -garandu gallery, Musashino Art University, Tokyo, Japón ---curada por Ura Ayaka. 2014. 

Muestras Grupales:

2016: “OOQO /  the continent, and YAGI” - Koganei Art Spot Chateau & Space Wunderkummer

seaside poolside - Inage sea side park pool, Chiba, Japón.

2015:  “Selected works from Degree show” - Musashino Art University Museum, Tokyo, Japón.

“sonna me de miru” model room , Tokyo, Japón.

2014:  “April 2014 to November 2014” - Musashino Art University,Tokyo, Japón. 

Trabajos como organizadora y editora:

2018: Burro Press Japan tour co-organize with Ryoko Ami, Ryutraro Arakawa. BIWA - Live performance & Talk - Subterenian,Tokyo, Japón.  2015: “Meconopsis charity live and performance for earthquake in Nepal”- Ruby Room, Tokyo, Japón. Performance and video festival ,Merry cultureday! Here is Ohyama – Subterenian, Tokyo, Japón. 2014: Artist talk Nguyen Phuong Linh - Musashino Art University, Tokyo, Japón. 

2014: Charla de Artista y Catalogo de  Nguyen Phuong Linh (Inglés & Japonés) 

(The number of copies of this special edition book is limited to 70.)　

Premios y reconocimientos: 

2015: Premio a la excelencia de trabajos de grado - Musashino Art University, Tokyo, Japón.

Miri Hamada ha sido becaria del Programa de Cooperación para la Formación de Recursos Humanos en la asociación estratégica global entre México-Japón 2018.

M.H._”Pienso en un cuerpo neutral para irradiar género, el cuerpo como objeto, un objeto similar a un cuerpo, y un elemento natural que no puedeser completamente intencionadocomo la gravedad,o el agua que gotea para siempre. Además, mis acciones son entre poesía y narrativa, y el público encuentra continuidad allí sin mostrarlo claramente. Mi objetivo es ver el rango de resultados y el potencial de la imaginación. Puedo abandonar deliberadamente el contexto delterritorio. Es un intento de traicionar lo que se espera cuando se presenta en el extranjero, o busca adquirir la universalidad. ¿Hasta qué punto no podemos referirnos directamente a Japón, aparte de las discusiones y las historias culturales? Creo que el trabajo también es traslacional como las palabras.”

ENGLISH

M.H._“I think about a neutral body to irradiate gender, a body as object, a body-like object, and a natural provident that cannot be fully intended such as gravity, or water dripping forever.  Also, my actions are between poetry and narrative, and the audience finds continuity there without showing it clearly.  My goal is to see the range of results and the potential of imagination.  I may deliberately leave the context of the land.  It is an attempt to betray what is expected when it is presented overseas, or it seeks to acquire universality.  To what extent can we not directly refer to Japan, apart from discussions and cultural stories?  I think the work is also translational like words.”  

DAISUKE TAKEYA

Daisuke Takeya es un artista interdisciplinario con sede en Toronto-Tokio, y frecuentemente curador, coleccionista, educador de arte y defensor de la comunidad. La praxis de Takeya hace foco en la exploración de la naturaleza y lo plausible en la sociedad contemporánea, y admite todo tipo de doble sentido.

“Combinando los campos de la pintura, escultura e instalación, mi trabajo enfatiza el proceso en términos de creatividad, producción y colaboración, e intenta abordar una comprensión del contexto y el entorno. Su característica principal es que veo la producción como un proceso para situarme en un lugar particular y luego comprenderlo.”

Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas a nivel internacional, incluidas exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo de Toronto; la Japan Foundation/ Fundación de Japón en Toronto; Scotia Bank Nuit Blanche, Toronto; Galería SVA, Nueva York, Estados Unidos; Wagner College Gallery, Nueva York, Estados Unidos; el Museo de Arte Contemporáneo Chongqing Changjiang, China. 

Takeya ha exhibido su trabajo en todo Japón, incluso en la Bienal de Arte Contemporáneo de Fukushima; el Programa de Arte Saison, Museo de Arte Moderno de Saison, Tokio; Roppongi Art Night, Tokio; y la Galería Prince Takamado, Embajada de Canadá, Tokio. Es el representante y curador de Field Trip Project / Field Trip Project Asia, POWER TO THE PEOPLE, Fukushima NO ALICE, Multi Layered Surfaces y DAICHI Projects. 

En 2018, Takeya participó en la Bienal de Yamagata, Yamagata, Japón; Festival de escritores y lectores de Ubud, Bali, Indonesia; SIPAF (Festival de Arte de Solidaridad en la Paz), Manila, Filipinas; PLATAFORMA CERO: FESTIVAL DE ARTE DE PERFORMANCE 2018 (Myanmar); Canon New Cosmos of Photography 2018 (Ganador del Premio Mención de Honor), Museo de Fotografía de Tokio; y dirigió la inauguración de Responding: International Performance Art Festival and Meeting. 

DT_“Actualmente estoy interesado eninvestigar la especificidad desitio en relación al arte de performance. ¿Se realizaría unamisma obra de arte de la misma manera en diferentes continentes, tiempos, contextos, etc.? El trabajo, por supuesto, tendrá diferentes significados, pero ¿cómo?  Más específicamente, durante este añohe estado creando "monumento" como una serie de obras. Pequeñas historias de experiencia vivida trabajando como "proto-monumento", algo que aún no se ha incorporado, o en algunos casos pueden abandonarlas narraciones dominantes de la memoria comunitaria representadas en Monumentocon mayúscula.” 

ENGLISH

DT_“I am currently interested in investigating site-specificity inperformance art. Would the same artwork be performed the same way over different continents, time, contexts, etc? The work then will of course have different meanings, yet how so? More specifically I have been creating “monument” as artwork this year. Small histories of lived experience working as “proto-monument,” which has not yet been incorporated into, or in some instances may drop out of, dominant narratives of communal memory represented in capital-letter-Monument.”